Les expositions 2011 organisées par la RMN1 Commentaire

Cranach et son temps

9 février – 23 mai 2011

Musée du Luxembourg

Cette exposition est organisée par la Rmn, en collaboration avec Bozar qui a conçu et présenté sa première étape au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles à l’automne 2010.

Lucas Cranach, Allégorie de la Justice (détail), 1537, collection privée

Pour marquer l’ouverture sur l’Europe de la partie de sa programmation dédiée à la Renaissance, le musée du Luxembourg rouvrira ses portes avec une exposition consacrée à Lucas Cranach (1472-1553), l’un des artistes majeurs de la Renaissance germanique. Ce peintre fécond et polyvalent, dont la carrière couvre toute la première moitié du XVIe siècle, est encore méconnu du public français qui n’a pas eu la chance de découvrir récemment l’étendue de son oeuvre. L’exposition contribuera à faire comprendre la place de cet artiste dans l’histoire de l’art et son implication dans la société de son temps, touchée alors par de profonds bouleversements politiques et religieux.

L’exposition montrera d’abord la dimension européenne de l’art de Lucas Cranach, qui est non seulement marqué par les oeuvres de Dürer dont les gravures circulent, mais qui regarde aussi du côté des Flandres et de l’Italie. Pour faire apparaître ces influences, l’exposition mettra en regard une sélection de tableaux, dessins et gravures de Cranach avec la production d’autres artistes. Elle consacrera une place importante à ses voyages qui ont été favorisés par sa position officielle à partir de 1505 au sein de la cour de Frédéric le Sage, prince électeur de Saxe, fixée à Wittenberg. Au-delà des commandes artistiques de son mécène, Cranach s’est vu en effet confier des missions diplomatiques qui ont joué un rôle fondateur dans la formation de sa personnalité.

A la demande de Frédéric le Sage, Cranach se rend notamment en 1508 à Malines dans les Flandres auprès de Marguerite d’Autriche, gouvernante des Pays-Bas, dont la cour est peuplée d’artistes et d’humanistes originaires de contrées diverses. Au contact de cette brillante société, il perfectionne son art. Il introduit dans ses oeuvres une élégance plus raffinée mais s’intéresse surtout à de nouvelles thématiques qui rencontrent alors un vif succès dans ce milieu aristocratique, comme celles des femmes fortes et vertueuses, représentées à mi-corps.

Une section de l’exposition sera en outre consacrée à la représentation du nu qui occupe une place centrale au sein de l’oeuvre de Cranach. Dans ses figures féminines d’une grande sensualité, empruntées tantôt au répertoire antique (Vénus, Diane…), tantôt à la culture chrétienne (Ève), il représente des corps à la beauté parfois inquiétante, dont le canon se distingue très nettement des proportions idéales prisées à la Renaissance. Ces images ambiguës, mêlant érotisme et morale, à la signification souvent complexe, ont rencontré en leur temps un énorme succès qui a incité l’artiste à les décliner sous des formes variées. Son sens consommé des affaires le pousse même à mieux organiser son atelier pour répondre le plus rapidement possible à la demande.

L’exposition insistera surtout sur la richesse et l’originalité du parcours de Cranach, un parcours jalonné de rencontres déterminantes avec des représentants majeurs de la vie politique et religieuse de l’époque, alors agitée par le vent de la Réforme protestante. A Wittenberg, il côtoie notamment Martin Luther que protège Frédéric le Sage. Portraitiste de talent, il nous a transmis les effigies des principaux acteurs de ce moment fort dans l’histoire de la chrétienté. Cranach participe aussi pleinement à la diffusion de cette nouvelle doctrine, en mettant son art au service d’une propagande visuelle, largement diffusée par la gravure. Ainsi, il a contribué à élaborer une nouvelle iconographie protestante, sans pour autant renoncer aux commandes de l’Eglise catholique.

Sa notoriété de peintre, sa position dans la société des puissants, sa proximité avec les cercles intellectuels, font de Lucas Cranach une des personnalités parmi les plus originales et les plus étonnantes du XVIe siècle européen.

Musée du Luxembourg 19 Rue de Vaugirard 75006 Paris
réservations ouvertes sur : www.museeduluxembourg.fr

Nature et idéal : le paysage à Rome 1600–1650 Carrache, Poussin, Le Lorrain …

9 mars – 6 juin 2011

Galeries nationales, Grand Palais

Cette exposition est organisée par la Rmn, le musée du Louvre et le Museo Nacional del Prado. Elle sera présentée au Museo National

Annibal Carrache (1560-1609), Paysage fluvial (detail), huile sir toile, Washington, National Gallery of Art, Kress Collection

C’est à Rome, dans la première moitié du XVIIe siècle, que l’histoire de la peinture de C’est à Rome, dans la première moitié du XVIIe siècle, que débute véritablement l’histoire de la peinture de paysage. Auparavant, la représentation de la nature n’existait pas en tant que genre autonome dans la peinture européenne et c’est dans la capitale de la chrétienté que va naître et se développer cette nouvelle catégorie picturale, appelée à connaître un essor considérable. Rome était depuis l’antiquité une destination convoitée par les artistes désireux d’y compléter leur formation mais à la fin du XVIe siècle, divers facteurs vont permettre l’éclosion de ce genre profane : la présence simultanée de peintres parfois spécialisés venus de multiples foyers artistiques, en particulier les Flandres ; l’attrait de la Ville éternelle, renouvelé par les transformations récentes de son paysage urbain ; un goût croissant pour le dessin sur le motif et son réemploi dans l’oeuvre peinte en atelier ; la circulation des images favorisée par l’estampe, et l’intérêt nouveau des théoriciens ; l’existence de grandes collections de peintures des maîtres de la Renaissance ; enfin, l’immense succès commercial du paysage peint auprès des amateurs, en particulier ceux de l’aristocratie et des familles pontificales.

D’Annibal Carrache à Adam Elsheimer, de Pieter Paul Rubens à Paul Bril, de Claude Lorrain à Nicolas Poussin en passant par Gaspard Dughet, quelques-uns des plus grands peintres du XVIIe siècle vont contribuer à l’émergence du paysage. L’exposition entend montrer certaines de leurs créations les plus abouties, en illustrant leurs contributions à l’élaboration de différents types de représentations de la nature, des vues idéales de la campagne romaine aux marines, en passant par les caprices architecturaux et les scènes antiques chargées de nostalgie où alternent les mythes et l’histoire.

Provenant des collections du musée du Louvre et du musée du Prado, mais aussi de nombreuses collections publiques et privées, 80 peintures et une vingtaine de dessins exposés selon un parcours chronologique présentent les aspects les plus marquants de l’histoire du paysage peint au cours de la première moitié du siècle, tout en permettant d’en dégager les grandes articulations : la diffusion des créations d’Annibal Carrache ; l’affirmation du naturalisme nordique ; le développement des paysages d’inspiration néo-vénitienne à partir des années 1620 ; la multiplication des vues peintes avec scènes de genre ; le succès des paysages topographiques et des caprices architecturaux ; et enfin, l’exceptionnelle restitution de la lumière et des effets atmosphériques.

Au milieu du siècle, le nouveau genre pictural est devenu un art prestigieux et non plus mineur pour les collections aristocratiques, comme l’atteste la commande des grands tableaux destinés au palais du Buen Retiro à Madrid. Les cours européennes contribuent à la création de cycles auxquels participent désormais les peintres les plus confirmés, et les artistes de l’Europe entière s’en inspireront pendant plusieurs siècles. Le paysage est devenu une catégorie à part entière de l’histoire de la peinture : il en sera désormais indissociable. L’exposition se compose de cinq parties :

I – Annibal Carrache, Paul Bril et Adam Elsheimer à Rome

II – L’évolution du paysage bolonais : la présence de la culture classique

III – L’évolution du paysage nordique : la diversification de la culture flamande et des modes du paysage

IV – Les débuts de Claude Lorrain et de Nicolas Poussin

V – Les grands paysages de Claude Lorrain et de Nicolas Poussin A mi-parcours de l’exposition, une salle rassemble une vingtaine de dessins parmi les plus significatifs de ceux que les peintres exposés ont réalisés à Rome. Parfois exécutés « sur le motif » mais recomposés en atelier, ils illustrent l’importance croissante de telles études pour la genèse du paysage peint.

• commissariat général : – Paris : Stéphane Loire, conservateur en chef du Département des peintures du musée du Louvre – Madrid : Andrés Ubeda de los Cobos, conservateur en chef au Museo Nacional del Prado scénographie : Marc Vallet

Odilon Redon Prince du Rêve : 1840-1916

23 mars-20 juin 2011

Galeries nationales, Grand Palais

Cette exposition est organisée par la Rmn, le musée d’Orsay et la communauté d’agglomération de Montpellier/ musée Fabre, Montpellier. Elle est réalisée avec le concours exceptionnel de la Bibliothèque nationale de France. Elle sera présentée au musée Fabre de Montpellier du 5 juillet au 16 octobre 2011.

Contemporain des impressionnistes (il participera en 1886 à la dernière exposition du groupe), Odilon Redon (Bordeaux 1840 – Paris 1916) demeure comme le grand artiste du mystère et du subconscient en une époque qui était surtout éprise de réel et d’objectivité. L’un des principaux acteurs de l’art au tournant des XIXe et XXe siècles, il a joué un rôle essentiel dans la genèse du symbolisme, notamment par ses fusains et ses lithographies (les célèbres Noirs) avant d’être admiré pour ses pastels et ses tableaux par les jeunes peintres de la couleur, Nabis et Fauves. Il sera ensuite considéré comme l’un des précurseurs du surréalisme.

L’exposition des Galeries nationales représente une véritable redécouverte de cet artiste. Quelques grandes monographies lui ont été récemment consacrées à l’étranger (Chicago et Londres, 1994 ; Francfort, 2007), mais cette rétrospective est la première organisée à Paris depuis celle de l’Orangerie en 1956. Elle repose sur l’étude de nombreux documents inédits qui permettent d’éclairer l’oeuvre de Redon d’une lumière nouvelle, et notamment sur l’exploitation systématique de son « livre de raison » (Paris, Bibliothèque littéraire Jacques Doucet), dans lequel l’artiste a consigné le titre et la date de ses oeuvres. Celui-ci sera présenté dans l’exposition et publié en annexe au catalogue.

Quelque 170 peintures, pastels, fusains et dessins, dont plusieurs inédits, ainsi que, grâce au concours exceptionnel de la Bibliothèque nationale de France, un ensemble très important de l’oeuvre gravé et lithographié (environ 100 estampes) composeront un parcours chronologique qui s’attachera à mettre en évidence l’évolution stylistique et thématique de Redon, depuis l’époque angoissée des Noirs jusqu’à la profusion colorée de ses dernières oeuvres, selon une progression de l’ombre vers la lumière. Pour la première fois, le grand décor mural réalisé par l’artiste pour son mécène Robert de Domecy sera reconstitué dans sa disposition et ses dimensions originales. Les travaux de Redon dans le domaine des arts décoratifs seront également présentés grâce à des prêts importants du Mobilier national.

On peut distinguer dans l’évolution stylistique de l’artiste, qui demeure cependant d’une grande continuité, trois périodes que le parcours de l’exposition reflètera :

1. Des débuts à 1890 : De la jeunesse de Redon et de son apprentissage de l’eau-forte auprès du mystérieux Rodolphe Bresdin (1822-1885) à Bordeaux, jusqu’à l’éclosion du monde des Noirs (fusains, lithographies) qui lui vaudront à partir de son premier recueil lithographique (Dans le Rêve, 1879) une notoriété dans le symbolisme naissant, notamment auprès du monde littéraire : Joris-Karl Huysmans (1848-1907) lui rend hommage dans son célèbre roman À rebours (1884), dont le héros, archétype du décadent raffiné, collectionne Redon avec passion. Darwin et le mystère des origines du monde, mais aussi les somptuosités macabres d’Edgar Poe ou de Goya, sont alors les références de l’artiste, dont les lithographies doivent leur extraordinaire beauté à une technique accomplie et à des noirs veloutés qui dit-on resteront inégalés.

2. De 1890 à la fin du siècle : C’est l’époque où s’opère progressivement une transposition dans la couleur de la thématique onirique jusque là réservée à l’univers des Noirs. Yeux clos (1890, Paris, Musée d’Orsay), dont il existe à la fois une version peinte et une version lithographiée, marque la charnière à partir de laquelle Redon aborde la couleur dans un esprit nouveau. Il s’adonne avec une originalité absolue au pastel, dont il demeurera avec Degas l’un des plus grands maîtres. Il devient l’un des protagonistes du symbolisme, fréquente Mallarmé et Gauguin.

3. Redon au XXe siècle : Après 1899, Redon abandonne la lithographie et le fusain. Les Noirs font place à une couleur rutilante que l’artiste aborde dans des oeuvres au format de plus en plus grand. Les thèmes mythologiques, les bouquets de fleurs éclatants que se disputent les collectionneurs, marquent une sérénité nouvelle. C’est durant cette période que Redon réalise quelques-uns des grands décors qui comptent au nombre des chefs-d’oeuvre méconnus du XXe siècle, dont celui de l’Abbaye de Fontfroide, exceptionnellement accessible durant la présentation de l’exposition au Musée Fabre de Montpellier à l’été 2010. Bonnard, Vuillard, Matisse et les Fauves lui rendent alors hommage, tandis qu’il amorce à la fin de sa vie une collaboration avec la Manufacture des Gobelins, pour laquelle il réalise des cartons.

• commissaire général : Rodolphe Rapetti, conservateur général du Patrimoine, chercheur associé à l’Institut national d’histoire de l’art commissaires : Marie-Pierre Salé, conservateur en chef au Musée d’Orsay Valérie Sueur-Hermel, conservateur au département des Estampes et de la photographie de la Bibliothèque nationale de France, chargée des collections du XIXe siècle
• scénographie : Hubert Le Gall

Renseignements, achat des billets sur www.rmn.fr

L’Orientalisme en Europe : de Delacroix à Matisse

27 mai – 28 août 2011

Centre de la Vieille Charité,
Marseille

Eugène Fromentin (1820-1876), Chasse au faucon en Algérie (détail), 1863, huile sur toile, 162,5x118 cm, Paris musée d’Orsay © Rmn, musée d’Orsay/Hervé Lewandovski

L’exposition est organisée par la Réunion des musées nationaux et la ville de Marseille en collaboration avec les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique à Bruxelles et la Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, à Munich. Elle est présentée aux Musées royaux des Beaux-Arts du 15 octobre 2010 au 9 janvier 2011 puis à la Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, à Munich du 28 janvier au 1er mai 2011

La fascination pour l’Orient qui traverse l’histoire de l’art occidental connait un essor tout particulier au XIXe siècle. Entre la campagne d’Egypte de Bonaparte (1798-1801) et le séjour de Matisse en Afrique du nord (1906), l’Orientalisme va connaître son véritable âge d’or. Les vues d’Egypte rapportées par les artistes qui accompagnèrent Bonaparte constituent, avec l’illustration des premiers actes de la légende napoléonienne, les premiers jalons d’une nouvelle découverte du monde oriental par le public européen. En suscitant un engouement dans toute l’Europe pour le passé pharaonique, elles initient un mouvement d’intérêt général et durable pour tout ce qui touche à l’Orient : Au siècle de Louis XIV on était helléniste, maintenant on est orientaliste pourra dire Victor Hugo.

L’Orientalisme est indissociable de l’expansion coloniale européenne. Le déclin de l’empire ottoman, l’implantation des puissances européennes au Moyen-Orient, en Afrique du Nord vont ouvrir aux artistes les portes d’un monde qui restait jusque-là difficilement accessible. Le choc de cette rencontre leur ouvre de nouvelles perspectives. Au cours de son voyage au Maroc en 1832, Delacroix pensera trouver dans le dépaysement oriental des réponses à son profond désir de renouvellement. L’Orient lui apparaît comme le lieu de l’exaltation des sens, et l’Antiquité, qui est la référence commune de tout ces peintres de culture classique, semble ressusciter sous ses yeux avec les couleurs de la vie.

La première génération de ces artistes fixe ainsi les traits fondamentaux d’un imaginaire que tant d’autres reprendront tout au long du siècle : Ainsi d’Ingres à Gérôme, le succès continu de la représentation particulièrement fantasmée du Harem conforte l’idée de la troublante sensualité orientale. Loin des brumes de l’Europe, la puissance de la couleur et de la lumière s’exprime dans la splendeur des costumes ou l’exaltation des paysages grandioses et tout particulièrement du désert.

Bientôt les peintres seront nombreux à faire le voyage vers l’autre bord de la Méditerranée, certains d’entre eux y faisant même de longs séjours. Ils se confronteront alors à la réalité des paysages, de la vie quotidienne des populations conquises. Très vite, parallèlement aux fictions exotiques et colorées qui connaissent un succès sans cesse grandissant auprès du public européen, un autre regard se développe, plus réaliste, déjà ethnographique, attentif à l’autre, et à sa fascinante différence.

Les grandes figures de la Modernité, elles non plus, ne resteront pas insensibles à la tentation orientale. Renoir, Matisse, Kandinsky et Klee, feront comme tant d’autres le voyage en Orient. Mais si dans leurs oeuvres les leitmotive les plus éprouvés de l’Orientalisme sont bien présents, Odalisques, paysages lumineux, villes blanches écrasées sous le soleil, leur approche toute personnelle n’est visiblement plus la même. En renouvelant si radicalement le genre par leur recherches plastiques, d’une certaine manière ils y mettront fin en lui donnant une toute autre signification.

Avec plus de 120 oeuvres, peintures et sculptures, venant des plus grandes institutions internationales et de collections particulières, l’exposition L’Orientalisme en Europe, de Delacroix à Matisse, offrira un vaste panorama de l’orientalisme, non seulement en France mais aussi dans toute l’Europe : aux côtés des chefs-d’oeuvre d’Ingres, Delacroix, Fromentin, Gérôme, figureront des oeuvres d’artistes anglais, comme Lewis ou Alma-Tadema, allemands, (Bauernfeind, Müller), belges, (Portaels, Evenpoel), espagnols,(Villegas, Sorolla) italiens, (Fabbi, Simoni), et même un orientaliste turc, formé à Paris, Osman Hamdi Bey. Renoir, Matisse, Kandinsky, Klee, Macke, illustreront le dernier chapitre de l’exposition consacrée à l’Orientalisme moderniste.

Cette exposition préfigure les grands rendez-vous artistiques que Marseille proposera dans le cadre de l’année 2013 où elle sera Capitale Européenne de la Culture.

• commissariat de l’exposition : Marie-Paul Vial, directeur des musées de la ville de Marseille Luc Georget, conservateur au musée des Beaux-Arts de Marseille

Renseignements, achat des billets sur www.rmn.fr

La peinture autrement

L’art contemporain et la Côte d’Azur, un territoire pour l’expérimentation 1951-2011

26 juin-7 novembre 2011

Musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes

Cette exposition est organisée par :

• le musée national Marc Chagall, Nice,
• le musée national Fernand Léger, Biot,
• le musée national Pablo Picasso,
• la Guerre et la Paix, Vallauris et
• la Réunion des musées nationaux

Serpillières, Noël Dolla, 1967-1999 © Noël Dolla, 1999

À l’été 2011, de Vallauris à Menton, en passant par Biot, Vence ou Nice, la manifestation L’Art contemporain et la Côte d’Azur, Un territoire pour l’expérimentation, 1951-2011 présente l’exceptionnelle création artistique de la région dans une vingtaine de lieux (musées, centres d’art, galeries…).

Dans ce cadre, les musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes ont choisi de présenter les oeuvres des artistes qui ont fait leur le questionnement sur les modalités de l’acte de peindre et sur les différents dispositifs de déconstruction de la peinture. L’exposition retrace 60 ans de création rassemblant de nombreux artistes qui ont vécu, travaillé ou sont intervenus de manière significative dans la région. Leur travail s’inscrit dans une réflexion générale sur la nature même de la peinture, sur les occurrences, les outils et les moyens de son émergence. Ces artistes ont choisi de placer leur oeuvre sous les signes croisés du support, de la surface, de l’expérimentation du pigment ou de la teinture sur la toile, de la matérialité du châssis et des autres composants du tableau ou de la sculpture. Au delà de leur appartenance à des mouvements comme le Nouveau réalisme, Supports/Surfaces ou le Groupe 70, ils participent pleinement, dans le courant international qui se fait alors entendre, à la remise en cause de l’oeuvre d’art dans ses définitions et fonctions habituelles.

Au musée national Fernand Léger, des propositions comme celle de la dernière période d’Hartung côtoieront les Allures d’objets d’Arman, les Cosmogonies d’Yves Klein ou encore les paillettes de Malaval. De telles oeuvres permettent, d’une part, de promouvoir une autre lecture des courants artistiques et, d’autre part, d’offrir un socle historique aux propositions qui viendront après coup. Celles-ci sont nombreuses. Les gestes de Ben (Geste : me peindre, 1964), les expérimentations de Noël Dolla sur la toile ou les autres matériaux comme la tarlatane, la serpillière ou le paysage ; celles de Claude Viallat sur des supports eux aussi très divers sur lesquels il appose sa fameuse forme si reconnaissable ; les confrontations d’objets ou de matériaux qu’entreprend Bernard Pagès et les déclinaisons qu’il propose de certains gestes sculpturaux… Dans ce même courant où peindre et exercer une réflexion critique sur la peinture ne font qu’un, place sera faite tout naturellement aux tenants du Groupe 70. Toutes ces ouvertures sont en phase avec ce, qu’ailleurs, à Paris mais aussi aux Etats-Unis, d’autres, au même moment, entendent mettre en évidence. communiqué La peinture autrement L’art contemporain et la Côte d’Azur, un territoire pour l’expérimentation 1951-2011 26 juin-7 novembre 2011 Musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes Cette exposition est organisée par le musée national Marc Chagall, Nice, le musée national Fernand Léger, Biot, le musée national Pablo Picasso, la Guerre et la Paix, Vallauris et la Réunion des musées nationaux.

Mais les années 70 ne sont pas les seules à poser le problème de la peinture et de ce qui la constitue. L’exposition au musée national Marc Chagall montre comment la génération suivante, ainsi que de nombreux artistes aujourd’hui, se soucient de son identité, de ses limites et du jeu qu’il est encore possible de leur apporter. Ainsi, Adrian Schiess et Pascal Pinaud se sont, chacun à leur manière, engagés dans une telle recherche, privilégiant pour l’un les surfaces où dominent de miroitantes monochromies et pour l’autre celles où les accidents de toutes sortes viennent leur conférer une réalité plastique indéniable. La profondeur noire des surfaces fluides que présente le groupe BP reflète l’esprit critique qui les a fait émerger. Elle peut entrer en dialogue avec celles que façonnent de leur côté Ghada Amer, Dominique Figarella, Cédric Teisseire, Marc Chevalier, Aïcha Hamu, Julien Bouillon et d’autres encore à qui cette exposition fait également place.

En écho à l’exposition organisée par des artistes en 1969 à Coaraze dans l’arrière-pays niçois, les musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes s’associent à la ville pour, à nouveau, programmer une exposition de jeunes artistes. À Pierre Descamps, Frédérique Nalbandian, Emilie Perotto et Xavier Theunis est demandé d’investir l’espace public avec des installations réalisées spécialement pour cet événement.

• commissariat Maurice Fréchuret, directeur des musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes Ariane Coulondre, conservateur au musée national Fernand Léger

Renseignements sur www.rmn.fr