février 21st, 2012

Le cliché-verre tient, par sa nature même, à la fois du dessin, de la gravure et de la photographie. Mais c’est avant tout un procédé de multiplication de l’image s’appuyant sur les débuts de la photographie.

Le « cliché-verre » est un procédé d’impression par les moyens photographiques, à partir d’un négatif sur verre réalisé manuellement et directement par l’artiste. La plaque est préalablement enduite d’une couche épaisse de collodion où l’artiste, dessine avec une pointe, son sujet. Le tracé traverse le verre translucide.

Le tirage est obtenu par l’action de la lumière qui passe à travers le verre et marque le papier photo-sensible qui est ensuite révélé et fixé.

Cette technique, à mi-chemin entre la gravure et la photographie fut inventée, dans les années 1850 par Constant Dutilleux et son gendre Charles Desavary. Corot fut invité, lors d’un de ses voyages à Arras à découvrir ce procédé. Il en réalisa une soixantaine. Le premier « dessin sur verre pour photographie », réalisé en 1853, fut celui de Corot : « Le bucheron de Rembrandt »

L’exposition dans laquelle une quarantaine de CLICHÉS-VERRE de Corot, Daubigny, Delacroix, Millet, Rousseau, est prévue jusqu’au 15 Mai 2012.

• Galerie Serge Aboukrat – 7 place Furstemberg – 75006 Paris

Wall30.com est une galerie en ligne dédiée à la photographie contemporaine. Deux amis passionnés de photographie contemporaine, ont créé Wall30 avec la volonté de faire découvrir et promouvoir le travail d’artistes émergents qui utilisent la photographie comme médium. Leur vocation est de faire partager leur passion et rendre accessible la photographie contemporaine tout en respectant les codes du marché de l’art.

Toutes les photographies sélectionnées et présentées par Wall30 sont signées, numérotées et systématiquement limitées à 30 exemplaires ce qui leur confère le statut d’oeuvre d’art. La production et la diffusion d’oeuvres originales multiples leur permettent de proposer des oeuvres dont le prix est plus accessible que des pièces uniques. Paul-Alexis Bernard et Pascaline Zarifian soutiennent la nouvelle création et apporteront leur expertise à toute personne qui souhaite acquérir une oeuvre pour la première fois ou élargir une collection personnelle.

Actuellement à la galerie : Léo Caillard

Léo Caillard partage son travail entre photomontage et paysage. D’une approche plasticienne, ses images interrogent le fonctionnement de nos sociétés modernes et le rôle qu’y joue l’homme aujourd’hui. Ses premières séries dévoilées dernièrement dans la presse ont remporté un grand succès.

Sa série “WAR GAME”, utilisant l’intégration en 3D de véhicules militaires dans la ville, pose la question de l’armement dans nos sociétés modernes. Icône omniprésente dans les médias et pourtant si loin de notre réalité quotidienne.

•  En savoir + : www.wall30.com

Du 12 mars au 25 août 2012, l’Adresse Musée de La Poste entre « Dans les coulisses du film d’animation ». Cette exposition interactive évoque plus d’un siècle d’histoire, du premier dessin animé aux images de synthèse. Elle dévoile l’envers du décor. En effet, le visiteur découvre les étapes de réalisation de deux types de film : l’un en 2 dimensions et l’autre en images de synthèse 3 dimensions.

L’exposition présente des jouets optiques inventés au 19e siècle. Fondés sur la persistance rétinienne, ils donnent l’illusion du mouvement et permettent les premières animations d’images : thaumatrope, phénakistiscope, zootrope… jusqu’au praxinoscope d’Émile Reynaud (1844-1918). Ce dernier améliorera son invention jusqu’à la mise au point du théâtre optique permettant la projection d’une bande de dessins peints sur des carrés de gélatine. Considéré comme l’ancêtre du dessin animé, ces Pantomimes lumineuses sont projetées dès 1892 au Musée Grévin.

L’exposition se poursuit avec la projection de Fantasmagorie, premier dessin animé sur pellicule de cinéma, réalisé par Émile Cohl en 1908 ; et la projection de Felix Saves the Day, un des premiers épisodes de Félix Le Chat, réalisé en 1922 par Pat Sullivan.

Ensuite un focus sur la production française évoque les créations de Paul Grimault (Le roi et l’oiseau, 1980), Jean Image (Jeannot l’intrépide, 1950), Jacques Rouxel (Les Shadoks, 1968), Michel Ocelot, (Kirikou et la sorcière, 1998), Sylvain Chomet (Les triplettes de Belleville, 2003), avec la découverte de dessins de recherche, cellulos, affiches de film et photographies de montage…

Parallèlement à l’utilisation classique du dessin, des réalisateurs ont exprimé leur créativité dans l’animation de matériaux divers (papiers découpés, marionnettes, pâte à modeler…). Des photographies de plateau et des affiches de films de Ladislas Starewitch avec Le Roman de Renard (1929) à Nick Park avec Wallace et Gromit dans les années 90 sont présentées. Après cette évocation historique, l’exposition présente les étapes de fabrication de deux films d’animation : un dessin animé en 2D et l’autre en image de synthèse 3D. Le visiteur découvre l’envers du décor, des dessins de recherche au montage, sans oublier le mixage de la bande son.

L’explication de la réalisation d’un dessin animé en 2D est illustrée par un épisode d’Oggy et les cafards (série produite par Xilam Animation et diffusée dans Ludo sur France 3). Le court métrage d’animation Nicolas et Guillemette (2008) est le support pour l’explication de la réalisation en images de synthèse (film produit par Haidouk Film ! et réalisé par Virginie Taravel dans le studio d’animation Mac Guff Ligne).

Après cette exposition didactique, la réalisation d’un film d’animation n’aura plus de secret pour les visiteurs !

L’Adresse Musée de La Poste

• 34 boulevard de Vaugirard
• 75015 Paris
• www.ladressemuseedelaposte.fr

Leonora Hamill et Eric Pillot ont été élus lauréats 2012 par le comité exécutif du Prix HSBC pour la Photographie parmi les 13 nominés présentant 12 façons de photographier selon Rafael Doctor Roncero, conseiller artistique. Le Prix HSBC pour la Photographie accompagnera les lauréats en publiant avec Actes Sud leur première monographie, et en organisant une exposition itinérante de leurs oeuvres dans quatre lieux culturels.

Leonora HAMILL

«Ce genre de travail est un vaste exercice de catalogage des espaces construits ou habités par les hommes. Une étude de la condition humaine à travers une typologie concrète de ses espaces : les écoles d’art et leurs ateliers d’artistes. Au cours de plusieurs années et tout autour du monde, Leonora Hamill a photographié tous ces endroits où les gens apprennent l’art de façon différente. Parcourir ces ateliers ne suffit pas à montrer la façon particulière d’interpréter qu’adoptera l’artiste dans le futur de la société dans laquelle il vit. Dans ce travail prédomine le caractère collectif du labeur artistique dans son étape de formation, ce qui l’oppose à l’idée généralisée qui veut que l’artiste soit un être isolé et indépendant. Il s’agit sans doute d’un grand travail, auquel s’ajoute une importante charge sociologique, où l’on perçoit la recherche d’une esthétique froide capable de présenter de la manière la plus directe ces espaces habituellement surchargés d’éléments et de formes.» Rafael Doctor Roncero, conseiller artistique 2012

Eric PILLOT

«Ce n’est pas la première fois qu’un artiste fixe son regard sur les animaux vivant en captivité près de nous en tant qu’éléments d’attraction pour nos loisirs. Ce genre de travail met l’accent sur la façon dont les êtres humains vivent dans l’acceptation de constantes contradictions par rapport à des principes éthiques qu’ils utilisent à leur convenance. La dignité de l’être animal est l’une des causes non résolues dans l’évolution de l’être humain. Les animaux représentent l’autre, un autre plus proche que ce que nous pensons et à qui notre attitude de supériorité est capable de voler l’âme. Un travail comme celui d’Eric Pillot n’est autre que la mise en évidence de la grande injustice de notre société par rapport à ces thèmes pour lesquels existe une législation très vague autorisant de constantes atrocités, sous prétexte d’augmenter les possibilités de diversion au cours de notre temps libre. Dans cette série se mêlent des animaux réels et d’autres qui semblent fictifs, afin de réduire au maximum l’être vivant traité comme une valeur presque uniquement décorative. Eric Pillot fait un portrait de l’état de désolation de ces êtres vivants si proches et cherche en même temps la confrontation de leur regard, un regard auquel nous ne pouvons échapper et capable de nous mettre totalement à nu, puisqu’aucune réponse logique ne peut justifier ces espaces de cruauté.» Rafael Doctor Roncero, conseiller artistique 2012