Exposition

Considered one of the most important artists of our time, Mikhail Turovsky was born in Kiev, Ukraine in 1933. In 1979 he fled the upper echelon of Soviet Social Realist painters to begin a life of creative freedom in the United States. Today his works are a part of the permanent collections in many prestigious museums in the United States, Russia, Israel, France, and Ukraine, as well as many important private collections.

‘I am happy to have a possibility to share my perception of the world with New Yorkers,’ — says Mikhail Turovsky, -’What I believe, and what I try to convey in my work is humanism. In art the measure of all things for me is the magnitude that defines the human being, with his pursuit of happiness, which often goes unfulfilled, his pathos, limitations, and tremendous life force.’

Mikhail Turovsky’s paintings have been exhibited in galleries and museums around the world including USA, France, Israel, Spain, Ukraine and Russia. In 1990 his paintings were exhibited alongside works by such great artists as Paul Cezanne, Marc Chagall, Edgar Degas and Andy Warhol at the seminal art show ‘Modern Paintings Contemporary Art’ in Paris. In 2009 the exhibition of Turovsky HOLOCAUST paintings was held at the Headquarters of United Nations Organization in New York.

Marina Kovalyov, the President of Russian American Foundation, says, ‘We are thrilled to present retrospective exhibition ofMikhail Turovsky’s paintings and graphics to American art lovers. Turovsky is an artist of great range and energy. For more than fifty-year career as a painter, he constantly experiments with diverse materials to translate the joy and tragedy of human life into high art. I am certain, that this exhibition will become a landmark event in the New York’s cultural life.’

• April 30 to May 13 2012

National Arts Club

• 15 Gramercy Park South, New York

Russian Art from Private Collections: Borovikovsky to Kabakov

ABA Gallery presents the exhibition Russian Art from Private Collections: Borovikovsky to Kabakov.Exhibition opens in NY on Friday, May 11, 2012 and will run through May 25.

It is the first time in many years that a major show of Russian art is mounted in New York. This landmark exhibition is dedicated to showing exceptional examples of important Russian art spanning three centuries to the general American public.

The concept for the project emerged in response to the moratorium on exchange between Russian and American museums officially enforced two years ago, whose severe void is palpable across institutions throughout the American cultural landscape.

The exhibit is a collaborative effort between ABA Gallery and distinguished private collectors including Michael Baryshnikov and Vladimir Spivakov. « I am glad to support this exhibition which reveals the beauty and significance of Russian art to the American public, » said Michael Baryshnikov.

In over the ninety works on view, there are startling examples by Russia’s greatest 19th and 20th century masters such as: Vasili Perov, Mikhail Nesterov, Alexei Savrasov, Vladimir Makovsky, Lev Bakst, Constantine Somov and many others. Artists of the Russian avant-garde, so richly represented in the show, are particularly crucial to the artistic development of 20th century art and thus reveal the enormity of Russian influence on world culture.

For over thirty years, ABA Gallery has worked tirelessly with Russian and Western museums and institutions to promote and sponsor seminal exhibitions of significant Russian artists such as David Burliuk, Boris Anisfeld, Natalia Goncharova, Boris Grigoriev, among many others. During this time, the Gallery discovered, identified and placed rare examples of Russian art into major public and private collections throughout Europe and the United States.

A project of this magnitude could not have been accomplished without the support and assistance of many individuals, especially Mikhail Shvydkoy, Special Presidential Representative of the Russian Federation for International Cultural Cooperation and Ambassador at Large of the Ministry of Foreign Affairs of the Russian Federation who supported this project from its inception.

Gallery ABA

• 7 East 17th Street,
• New York, NY 10003
• http://abagallery.com/exhibition-highlights/

L’exposition Treasures of the World’s Cultures, en collaboration avec le British Museum, est caractérisée par des emprunts régionaux au Al Ain National Museum et au Sharjah Archeology Museum. Elle se déroulera à Manarat Al Saadiyat, sur l’île de Saadiyat à Abu Dhabi du 17 avril au 17 juillet.

Cette exposition raconte l’histoire de l’Homme à travers quelques-uns des plus splendides objets du monde datant de plus de 2 millions d’années.

Avec des tableaux qui reflètent les traditions riches et variées de l’art islamique, des outils fabriqués en Afrique de l’Est pendant l’Age de pierre, ou encore des chefs-d’oeuvre de la Renaissance européenne, cette exposition explore les différentes interprétations du terme « trésor ». Proposant des exemples de « trésors enfouis » et des oeuvres d’art plus récentes provenant du monde entier, l’exposition connectera les perspectives culturelles historiques et modernes à travers une unique expérience visuelle.

Les premiers pas à travers cette exposition retraceront le début de l’existence humaine, en Afrique, à l’époque où la survie, le succès, le statut et les relations sociales étaient symbolisés par des objets matériels. Les objets commençaient alors à avoir un sens et une signification audelà de leur fonction d’usage, inspiraient et contribuaient à définir les gens. L’importance de la culture matérielle dans les sociétés du monde sera démontrée par les galeries suivantes, où les visiteurs défileront à travers le Moyen-Orient, l’Europe, l’Asie, l’Océanie et les Amériques. L’exposition culminera avec les objets du monde moderne.

Treasures of the World’s Cultures

Treasures of the World’s Cultures is the second in a series of exhibitions, organised by Abu Dhabi Tourism & Culture Authority, in collaboration with the British Museum, in preparation for the launch of the Zayed National Museum at the Saadiyat Cultural District.

Bringing life to elements of human history dating back 2 million years, the exhibition addresses some universal themes, such as leadership, heritage and faith, that will also be found in the Zayed National Museum where the galleries will tell the story of the region’s history and the unification of the United Arab Emirates through the life of Sheikh Zayed bin Sultan Al Nahyan, father of the nation and continual source of inspiration.

In collaboration with the British Museum and featuring loans from Al Ain National Museum, Sharjah Archaeology Museum and the private collection of HE Abdulrahem Al Sayed Al Hashemi, Treasures of the World’s Cultures leads us to the broad horizon of world heritage through over 250 exceptional objects, providing a universal context for the UAE and the Middle East. The exhibition places us in a unique position, to be able to look back on the threads of existence and watch the tapestry of world heritage be brought to life by each precious object. As Abu Dhabi develops a live canvas for global culture through the development of the world’s most important cultural institutions, it is essential to remember that the dialogue of civilisations been and gone is the context for the present. Through objects such as those in Treasures of the World’s Cultures, the Zayed National Museum will lead us to the wisdom and knowledge that will inspire and equip us on our journey into the future.

• Exposition gratuite, ouverte tous les jours de 10 à 20h, jusqu’au 17 juillet 2012. Pour plus d’informations, rendez-vous sur www.artsabudhabi.ae

Lapérouse célèbre l’immense artiste que fût Gaspard-Félix Tournachon, dit Nadar, durant tout le mois de juin grâce à des événements, signatures et lectures au sein de l’établissement.

Exposant depuis toujours les portraits stupéfiants du célèbre Nadar, Lapérouse lui consacre un mois entier à l’occasion du centième anniversaire de sa mort. Stéphanie de Saint Marc lui a consacré un livre, une biographie, édité chez Gallimard. L’auteur sera en juin dans les célèbres salons de Lapérouse pour rencontrer un public avisé.

Les événements

Fin mai, un cocktail d’inauguration du mois Nadar accueillera 300 invités dans les salons de Lapérouse. Julien Mairesse, le barman de l’établissement, proposera pour l’occasion le cocktail Nadar et le chef Christophe Guibert proposera le menu Nadar au restaurant.

Thibaud de Montalembert, ancien sociétaire de la Comédie Française, interprétera une lecture d’un extrait de la biographie de Nadar, le livre de Stéphanie de Saint Marc.

Chaque mercredi de juin, lectures, cocktails, échanges et musique autour de Nadar et ses contemporains, auront lieu entre 18h et 21h. Les invités pourront poursuivre l’expérience au restaurant.

Les lectures

Extraits de la biographie, lectures d’articles de Nadar, poèmes de Baudelaire et d’auteurs proches du photographe ponctueront les rendez-vous. Chaque fois interprétés par des comédiens professionnels.

A base de Vodka et de couleur rouge, la couleur préférée de Nadar, le cocktail Nadar est créé par Julien Mairesse, le barman de Lapérouse. Christophe Guibert, le chef du restaurant, proposera tout au long du mois un menu NADAR, dans la grande tradition du Paris Grand Siècle.

A propos de Nadar et sa biographie

Il y a juste cent ans, dans les premiers mois de l’année 1910, mourrait Nadar. Né en 1820, il avait presque traversé le siècle et ses nombreux régimes. Celui dont on connaît aujourd’hui le nom grâce à la série de clichés magistraux qu’il a laissé des célébrités contemporaines a été l’ami de ses modèles ; artistes pour beaucoup, de Baudelaire à Théophile Gautier, de Daumier à Gustave Doré, de Hugo à Georges Sand, les sujets de ses images ont été aussi hommes de science et de pouvoir, représentants de l’opposition républicaine. Car Nadar, Félix Tournachon de son nom d’origine, a été pleinement dans son temps.

Outre la photographie et le regard nouveau qu’il portait sur le monde, il s’est épris de médecine et s’est aussi consacré sans mesure au rêve de la navigation aérienne, promise à devenir la moderne aviation. En homme de progrès, il a épousé les passions politiques de l’époque jusqu’à partir à pieds, en 1848, sauver la Pologne de la tyrannie!

C’est cet itinéraire étincelant, mais aujourd’hui trop méconnu, que retrace Stéphanie de Saint Marc. Ce livre révèle également un Nadar plus secret, personnalité complexe, souvent inattendue, dont le charme et l’exubérance masquent des fêlures intimes qui dessinent son portrait sous un jour nouveau.

A propos de Lapérouse

Cet ancien hôtel particulier du XVIIIème siècle devient un restaurant gastronomique dans la seconde moitié du XIXème siècle fréquenté par le Tout-Paris littéraire, politique et culturel. Nerval, Dumas, Baudelaire, Zola, Maupassant, Proust. Tous ont leurs habitudes et les petits salons particuliers en étage ont chacun leur histoire. Le décor composé de marbres, de fresques peintes et de boiseries sculptées séduit également les grands noms de la politique et du pouvoir (l’Aga Khan et la Bégum, le duc de Windsor et Wallis Simpson, François Mitterrand…) ou plus proche, Orson Welles et Serge Gainsbourg.

Des salons très intimes

Détournés de leur fonction première, les salons de Lapérouse se transformèrent au fil du temps en un lieu privilégié pour les rencontres galantes. Un escalier dérobé, taillé dans l’épaisseur du mur et accédant au Sénat par des galeries souterraines de l’ancien couvent des Augustins, contribua à la légende de la Maison Lapérouse, de même que les miroirs sur lesquels les « cocottes », complaisantes mais nullement naïves, prenaient l’habitude de graver leur nom avec les diamants que ces messieurs venaient de leur offrir, vérifiant au passage que leur « compréhension » n’était pas récompensée par de vulgaires morceaux de verre.Les griffures, datées de 1850 à 1958, sont tellement nombreuses qu’on peut aujourd’hui passer des heures à les déchiffrer ! Les petits salons particuliers de l’étage protègent d’abord la confidentialité des tractations entre éditeurs et écrivains. Marbres, tapis d’Orient, fresques peintes, boiseries sculptées… la maison se fait une toilette à la hauteur de ses hôtes et devient un restaurant de très bon ton. De grands noms de la politique et du pouvoir (Michel Bakounine, l’Aga Khan et la Bégum, le duc de Windsor et Wallis Simpson, François Mitterrand…), du monde artistique (Eugène Delacroix, Hector Berlioz, Viollet le Duc, Edouard Manet, Sarah Bernhardt, Mistinguett – ou plus proches de nous, Orson Welles ou Serge Gainsbourg, qui y rencontra Jane Birkin) s’y pressent. Au fil du temps, les salons privés se mettent à abriter réunions politiques, écrivains en mal de calme ou amours secrètes des illustres clients du lieu. Un escalier dérobé menant Couvent des Grands Augustins permettait aux clients, en particulier aux Sénateurs, d’investir un petit salon ou d’en sortir à l’abri des regards, en toute discrétion !

Découvrir Lapérouse est un émerveillement : l’architecture intérieure est d’une très amusante complexité. De multiples recoins, couloirs et escaliers mènent à plusieurs salles à manger – toutes de styles différents – et aux salons particuliers, qui peuvent accueillir deux à douze personnes. Dès la porte franchie, on est sous le charme, on a le sentiment de remonter le temps jusqu’au XVIIIème siècle. Chez Lapérouse, on a soigneusement veillé à ne pas dénaturer les lieux, et tout a été heureusement préservé : boiseries, fresques murales, plafonds bas, ambiance raffinée et chargée d’histoire… Nombreux sont, par ailleurs, les salons qui, très distincts les uns des autres par leur taille et leur agencement, permettent d’accueillir les clients pour de multiples occasions. Au rez-de-chaussée, le Bar. Ses confortables fauteuils accueillent les amateurs d’apéritif, digestif, café ou tisane. Son piano, son éclairage tamisé,sa bibliothèque, ses sculptures coloniales, sa cheminée créent une atmosphère particulièrement intime.

Au premier étage, s’égrenant le long du couloir qui dessert la salle à manger, les fameux salons privés : La Belle Otéro et Le Quai aux Fleurs (2 personnes), Les Anges, Les Amours et Les Sénateurs (2 à 4 personnes), Victor Hugo (6 à 8 personnes), dans lequel l’écrivain venait chaque semaine déguster les fameuses confitures Lapérouse en compagnie de son petit-fils. Deux autres salons très cosy, pour 2 à 4 personnes, l’un de velours vieux rose, l’autre de velours violet foncé. Etabli face à la Seine et à l’Ile-Saint-Louis, le restaurant bénéficie d’une situation exceptionnelle. Les nombreuses fenêtres des salles à manger du premier étage permettent à la lumière d’entrer à flots. La vue est merveilleuse et procure un sentiment de calme, une agréable respiration, une trêve bienvenue.

Gastronomie

C’est au début du XXème siècle que Lapérouse devient un grand restaurant grâce aux Topolinski père et fils. Ils élaborent des plats devenus légendaires : le gratin de langoustines Georgette, la timbale des Augustins, le caneton Colette, la poularde poêlée Docteur, les rognons de veau jamais mieux, le gratin du Quai, la poire Lapérouse, le soufflé Lucien Breton… La cave est riche de grands crus. En 1933, Lapérouse fait partie de la première promotion des trois étoiles du Guide Michelin, à côté de la Tour d’Argent, de Lucas Carton, de La Mère Brazier… Il arborera, 38 ans durant, la distinction suprême des trois macarons ! Aujourd’hui, c’est Christophe Guibert qui derrière ses fourneaux, revisite les plats d’autrefois et fait revivre la tradition avec un zeste de modernité.

Le bar Lapérouse

L’adresse fréquentée par Orson Welles, Serge Gainsbourg et le Duc de Windsor pourrait bien redevenir le nouveau club des esthètes. Alex Vanopbroeke, restaurateur d’oeuvre d’art a coordonné les travaux. Tapissiers et peintres du Carré Batignoles ont oeuvré de concert. Le velours rouge mat des assises est rehaussé par la patine bleue des murs. Les boiseries repeintes à la feuille d’or soulignent la magie du cadre. Banquettes capitonnées, fauteuils et poufs rythment l’espace de leurs formes courbes et créent une ambiance sensuelle et cosy. Julien Mairesse, formé au Raphaël puis chez Pétrus, officiedésormais au bar, dans le vaisseau du quai des Grands Augustins. Ses spécialités : des cocktails aux noms des muses qui l’inspirent à base de vodka, whysky, rhum ou téquila. Mais aussi quelques classiques,Whysky Sour, Alexandra, Négroni, Dry Martini, Gin Fizz, Bloody Mary, Bullshoot, et Daiquiri, drink préféré de Serge Gainsbourg. Et des drinks qu’il compose à l’envi, sondant la personnalité et les goûts de ses clients.

Restaurant et bar Lapérouse

• 51 quai des Grands Augustins
• 75006 Paris
• www.laperouse.fr

Le château de Versailles présente la première exposition consacrée à Charles Nicolas Dodin (1734-1804), l’un des peintres les plus talentueux de la manufacture de porcelaine de Vincennes-Sèvres. L’exposition retrace son évolution artistique et montre le raffinement de son oeuvre. Elle témoigne également de la diversité des sources d’inspiration de l’artiste et de l’habileté avec laquelle il sut s’adapter à l’évolution des goûts et des modes.

Charles Nicolas Dodin consacre l’essentiel de sa carrière à la peinture de figures et parvient à s’adapter avec talent à l’évolution des formes et des décors en usage à la Manufacture, depuis le style rocaille le plus affirmé jusqu’au néo-classicisme le plus abouti. Il subit de multiples influences mais sait s’affranchir de ses sources pour conserver sa propre identité de créateur. Son extrême habileté, sa rapidité d’exécution et son inventivité lui valent de contribuer très précocement aux commandes les plus exceptionnelles reçues en son temps par la Manufacture royale de porcelaine. Ses oeuvres figurent très tôt dans les plus grandes collections d’oeuvres d’art de son époque (celles de Louis XV, Louis XVI, Madame de Pompadour, Madame Du Barry ou encore Catherine II de Russie). Ses porcelaines sont également offertes en cadeaux diplomatiques, notamment au roi Christian VII de Danemark, à la comtesse du Nord ou au duc de Saxe-Teschen.

L’exposition présente plus d’une centaine d’oeuvres, mais aussi des documents d’archives, des gravures, des portraits de commanditaires, la réunion exceptionnelle d’une douzaine de tableaux peints sur porcelaine, et des pièces de service réalisées pour Catherine II de Russie et Louis XVI à Versailles, reflets de la grande diversité du travail de l’artiste et de la Manufacture. Cet événement bénéficie de prêts en provenance des plus grandes institutions commes les collections royales d’Angleterre, du Danemark, le château royal de Varsovie, le Metropolitan Museum of Art de New York, le musée de l’Ermitage à Saint Pétersbourg, le Musée du Louvre, et le Getty Museum de Los Angeles. Plusieurs collections particulières internationales contribuent également très généreusement par leurs prêts à dévoiler des oeuvres méconnues de Charles Nicolas Dodin au grand public.

Ces prêts illustrent la qualité des commanditaires des oeuvres de Dodin au XVIIIe siècle et la notoriété dont il jouit encore aujourd’hui. Pour la première fois, des pièces exceptionnelles seront réunies, notamment des garnitures de vases dispersés au XIXe siècle. Cette exposition sera également une occasion unique d’admirer des plaques, dites «tableaux» dans les documents du XVIIIe siècle. Enfin, les gravures et tableaux permettront d’évoquer les sources de l’artiste et d’illustrer l’évolution du goût de son temps.

À ses débuts, Charles Nicolas Dodin peint essentiellement des amours en camaïeu ou en polychromie, à la manière du peintre François Boucher. Il est ensuite attiré par les sujets flamands ou hollandais, inspirés notamment des gravures de Le Bas d’après les oeuvres de David Téniers le Jeune, témoignant à sa manière du goût de son temps pour les écoles du Nord.

De 1760 à 1763, l’artiste exécute des décors chinois, illustrant le goût persistant pour la Chine dans les arts décoratifs au XVIIIe siècle. C’est aussi à cette période que le peintre innove puisqu’il est le premier artiste de Sèvres à peindre des plaques en porcelaine destinées à être accrochées au mur et encadrées comme de véritables toiles. Ces chefs-d’oeuvre, fruits d’une véritable prouesse technique, témoignent du souci des contemporains de pérenniser la peinture de chevalet dans un matériau inaltérable. Par ailleurs, Charles Nicolas Dodin a répondu à la mode lancée par le marchand mercier parisien, Poirier, qui commanda à Sèvres des plaques de porcelaine tendre, destinées à orner des meubles, des pendules, des baromètres et de petites boîtes. Grâce au prêt exceptionnel du musée du Louvre, le retour à Versailles de la commode à plaque de porcelaine exécutée par l’ébéniste Martin Carlin pour Madame Du Barry, est un événement majeur.

À partir de 1763, Charles Nicolas Dodin peint des scènes de genre ou des sujets extraits de la mythologie et de l’histoire antique, d’après les plus grands maîtres de son siècle : Boucher, Oudry, Carle van Loo, Drouais, Eisen, Greuze, Fragonard, Moreau le Jeune et Lagrenée. À la fin de sa carrière, période tourmentée par la Révolution française, l’artiste réalise de beaux décors mythologiques ou des allégories républicaines, tout en poursuivant jusqu’en 1792 l’exécution des pièces du service de Louis XVI et de pièces armoriées.

L’oeuvre de Charles Nicolas Dodin connaît la postérité dès le XIXe siècle. Alexandre Brongniart, directeur de la Manufacture impériale de porcelaine de Sèvres, dit de lui qu’il est «un peintre exceptionnel de première classe». Il célèbre son «talent et son exactitude» et loue celui qui est «un de ceux qui faisait le plus d’honneur et de profit à la Manufacture». Aux XIXe et XXe siècles, Dodin est l’un des rares peintres de Sèvres dont le nom et la marque ne tombent pas dans l’oubli mais, bien au contraire, sont recherchés par les connaisseurs comme les barons de Rothschild, le marquis de Hertford, le prince Demidoff , le baron Double, etc. Ses oeuvres sont aujourd’hui dispersées dans les plus grandes collections internationales.

• Commissaire : Marie-Laure de Rochebrune conservateur chargé des collections d’objets d’art au château de Versailles Scénographe : Jérôme Dumoux

• Du 16 mai au 9 septembre 2012 – Appartement de Madame de Maintenon et salle des Gardes du Roi
• www.chateauversailles.fr

Cet été le coeur du pop art bat à Pommard. Les Galeries Bartoux mettent à l’honneur Keith Haring autour des maîtres Miró, Andy Warhol, Tom Wesselmann auxquels font écho la crème des artistes contemporains Julien Marinetti et Richard Orlinski entre autres.

Dans la continuité des rencontres artistiques d’exception qui marquent la saison estivale du Château de Pommard. Les Galeries, comme chaque année, illuminent les maîtres de l’art moderne et contemporain dans un écrin envoûtant. Après Salvador Dali en 2009, puis Pablo Picasso en 2010, le modern et le pop art s’invitent au château.

Le propriétaire du château, Maurice Giraud, amateur et collectionneur aime particulièrement les grands artistes du XXème siècle qui incarnent et inventent leur siècle au-delà des mouvements dans une expression universelle. C’est donc tout naturellement que l’une des plus prestigieuses appellations viticoles du monde ouvre ses portes chaque année aux grands artistes modernes et contemporains.

Le château de Pommard a donc confié à l’expertise reconnue des Galeries Bartoux le soin de sélectionner des oeuvres qui s’harmonisent avec le lieu et la vision du propriétaire. Elles proposent de revisiter le pop et le modern art dans ce cadre exceptionnel entre vignes et ciel.

Ce haut lieu du vin accueille ainsi l’écarlate fureur de vivre, un portrait de James Dean par Andy Warhol, une sérigraphie exceptionnelle datée de 1985 qui est emblématique de la dernière période du maître. Il y travaille son thème de prédilection : la célébrité et la mort vues à travers la culture de masse américaine. Les sérigraphies présentées de 1975 co-signées avec Mick Jagger sont plus recherchées et rares, elles mélangent dessins, effet de collage et peinture. Elles ont été effectuées pour l’album Love you live des Rolling Stones et traitent à nouveau de l’image de la star populaire.

Le surréaliste Joan Miró joue aussi avec les couleurs primaires dans une très sensible toile qu’offre à admirer la Galerie. Dans cette oeuvre la troisième dimension disparaît, chaque forme symbolise un objet et sont disposées et liées harmonieusement sur l’espace plan. Leurs couleurs pop vibrantes s’équilibrent dans un ballet onirique. Une expérience visuelle exceptionnelle à découvrir sans attendre.

Les deux maîtres en introduisent naturellement un troisième, Keith Haring, dont Andy Warhol était le mentor et auquel les Galeries Bartoux choisissent de rendre hommage cette année. L’artiste new-yorkais a fait entrer l’art de la rue dans les musées et les Galeries Bartoux en détournant les codes urbains. Il doit sa popularité à ses happenings et ses interventions sur le mobilier urbain de NewYork. Une myriade de personnages et de figures rythme sa peinture sous forme de silhouettes cernées de noir remplies de couleurs primaires saturées qu’il répète à l’infini. Ses peintures reprennent des thèmes aussi variés que les médias, la critique du rêve américain, la sexualité, la maternité, les animaux, les enfants.

L’oeuvre proposée rassemble tous les codes de son art autour du rapport entre les animaux et les hommes représenté sous forme de vignettes aux motifs simples et colorés. Le tracé des figures est inspiré des arts premier, de l’art des collages de Matisse et des grafitti. Il va à l’essentiel : des formes épurées, une histoire codée, des plans sans dimension. L’art de Keith Haring est une invitation au voyage.

Le voyage se poursuit avec les oeuvres d’un maître du pop art américain, Tom Wesselmann. Il utilise différentes techniques et supports : collages, dessin, peinture, aluminium, acier. Il s’inspire aussi des maitres de l’art moderne Matisse, Cézanne, Mondrian qu’il portraitiste à l’arrière de ses « Grands nus américains » aux côtés de personnages historiques tels George Washington ou Abraham Lincoln. Son oeuvre se divise en deux séries majeures, de grands nus féminins et des natures mortes (Still Life) réalisées à partir d’objets trouvés et de collages. Son thème de prédilection est le cliché publicitaire personnifié par la femme provocante, aux positions érotiques, dont les attributs sont fortement soulignés. Ses nus sont une nouvelle critique de la publicité dans laquelle la femme est utilisée comme « produit d’appel ». L’oeuvre de Wesselmann donne à réfléchir sur les dérives de la société de consommation.

Un des grands acteurs de l’art actuel, que l’on ne présente plus, Julien Marinetti, expose aussi ses fameux « doggy John ». Si les couleurs vives et les supports originaux de ses oeuvres, clins d’oeil à notre société de consommation, nous rappellent le pop art d’Andy Warhol, c’est en fait de Pablo Picasso et des maîtres du cubisme dont s’inspire Marinetti. Ses figures animales : chiens, canard, oursons en bronze peintes puis laquées sont en fait des toiles portées en trois dimensions ouvrant différents angles de vue sur la complexité des figures angulaires qui y sont développées. Elles apportent un nouveau souffle au « support surface » dernier mouvement avant-gardiste français. Bien que figuratives, ses formes s’inscrivent dans l’expressionnisme abstrait et prennent leur source dans notre quotidien. L’oeuvre de Marinetti est emprunte de références et nous pousse à nous interroger sur notre perception de l’art contemporain. Les collectionneurs ne s’y tromperont pas.

Ce voyage dans le pop et modern art nous emporte dans l’univers de Richard Orlinski, entre art et design. Connu pour ses crocodiles, il développe une série de figures et personnages en résine colorée et vernie réalisée avec des techniques industrielles de pointe. Il s’inspire librement du pop art pour ériger des symboles en totems qui prennent en dérision la société de consommation. Il réalise des king kongs colorés, des super héros, des jeans moulés sur son propre pantalon et des stiletti dans de grands et petits formats qui sont autant de renvois critiques ou affectifs à la culture américaine, celle d’Hollywood comme celle des comic books qui ont marqué l’artiste. Ses sculptures animales (crocodiles, éléphants, singes, panthères) symbolisent la domination de l’homme sur la nature et ses dérives. Des stiletti miniatures en plomb laqués ornent la Galerie, ils représentent le pendant féminin des miniatures de king kong réalisées selon la même technique. Une de ses décoratives panthères argentées traverse à pas feutrés la Galerie du château.

Les Galeries Bartoux invitent tous les amoureux des lieux d’exception, des grands vins, du pop et du modern art, à partager au coeur de la Bourgogne cette nouvelle aventure au château de Pommard jusqu’au 30 novembre 2012.

Artistes présentés à la Galerie Bartoux du Château de Pommard saison 2012 :

• Romero Britto (1963)
• David Cintract (1970)
• Keith Haring (1958-1990)
• Damien Hirst (1965)
• Josepha (1950)
• Roy Lichtenstein (1923-1997)
• Julien Marinetti (Paris, 1967)
• Joan Miró (1893-1983)
• Richard Orlinski (Paris, 1966)
• Philippe Pasqua (Grâce, 1965)
• Andy Warhol (1928-1987)
• Tom Wesselmann (1931-2004)

Château de Pommard 

• 15, rue Marey Monge
• 21630 POMMARD

La Vierge à l’Enfant avec sainte Anne est l’une des compositions les plus ambitieuses de Léonard de Vinci. Fruit d’une longue méditation qui occupa les vingt dernières années de la vie du maître, ce tableau, célèbre dès la genèse de sa conception, soulève encore bien des interrogations sur son commanditaire, son élaboration ou encore son histoire ancienne. Récemment plusieurs découvertes historiques et scientifiques ont livré des indications précieuses, sans toutefois lever tous les doutes. L’exposition a pour ambition de faire le point sur le dossier passionnant de ce chef-d’oeuvre enfin restauré, en rassemblant, pour la première fois depuis la mort de l’artiste, l’ensemble des documents qui y sont liés. Cent trente-cinq oeuvres sont ainsi présentées, dont les prêts exceptionnels du carton de Burlington House de la National Gallery de Londres et celui de vingt-deux dessins appartenant à la Collection de Sa Majesté la Reine Elizabeth II. Elles permettent d’explorer le cheminement intellectuel et artistique qui conduisit Léonard à ce testament, dont l’influence fut considérable dans l’évolution des arts, du début du XVIe siècle au XXe siècle.

La lente et complexe genèse du tableau de la Sainte Anne, laissé inachevé à la mort de l’artiste en 1519, est retracée dans l’exposition par la réunion exceptionnelle de documents d’archive, esquisses de composition, dessins préparatoires, études de paysage et versions d’atelier montrant les différentes solutions formelles et iconographiques successivement envisagées par Léonard. La présentation d’autres oeuvres peintes à la même époque par Léonard de Vinci permet de montrer que la Sainte Anne est le véritable aboutissement des multiples et diverses recherches de l’artiste sur la nature et l’art. Afin de donner toute sa dimension au caractère novateur de cette oeuvre, l’exposition s’attache à la replacer dans la tradition iconographique liée à son sujet (« sainte Anne trinitaire ») et s’intéresse au retentissement qu’elle eut immédiatement sur l’art italien. Les hommages plus récents que lui ont rendus Delacroix, Degas ou Max Ernst témoignent enfin de l’influence durable de ce chef-d’oeuvre.

La restauration de La Vierge à l’Enfant avec sainte Anne est menée depuis juin 2010, avec le concours du C2RMF. Elle a permis de redonner à l’oeuvre une lisibilité compromise par l’altération des nombreux repeints et la superposition d’épaisses et inégales couches de vernis superposées. En même temps qu’éclate l’incroyable technique picturale de Léonard, le tableau retrouve une profondeur et un relief presque sculptural, avec sa palette intense de bleu lapislazuli jouant sur des laques rouges, de gris et de bruns vibrants.

• Commissaire de l’exposition : Vincent Delieuvin, conservateur au département des Peintures, musée du Louvre.

• Exposition du 29 mars au 25 juin 2012 – Hall Napoléon

A voir aussi actuellement et prochainement au musée du Louvre :

Musée du Louvre

• 75058 Paris – France
• www.louvre.fr

Un siècle après sa mort, August Strindberg (1849-1912) continue de fasciner. Précurseur et novateur à son époque, il parvient de nos jours encore à provoquer le public du théâtre partout dans le monde.

Dans le cadre de l’année Strindberg 2012, Exposition photographique :

Auteur de génie, alchimiste, cosmopolite, misogyne, vaniteux et rebelle : August Strindberg  incarne de nombreuses identités. Alors que la photographie était encore un médium récent, le célèbre écrivain et peintre suédois sut très vite saisir son importance et l’utiliser pour créer sa propre « image de marque », avant la lettre. Un siècle après sa disparition, que reste-t-il de tous ces clichés ? Quel souvenir gardons-nous de lui ? Comme il le formula lui-même : « On ne se lassera pas de moi car je suis quelqu’un de très protéiforme ». Divisée en cinq thématiques, l’exposition montre à travers une cinquantaine de tirages photographiques le soin avec lequel Strindberg se mettait en scène, arrangeant méticuleusement ses portraits. Elle le présente également dans son environnement familial et professionnel : autant d’images reflétant aussi bien la personnalité de l’artiste que les différents milieux dans lesquels il réalisa son œuvre prolifique.

Autour de l’exposition Strindberg et la photographie.

• 22.05.2012  à  19h30

Table ronde. Björn Meidal, professeur de l’Université d’Uppsala, un des plus éminents spécialistes suédois de Strindberg et auteur des textes dans l’exposition, s’entretient avec Elena Balzamo, chercheuse et traductrice, entre autres de la correspondance de Strindberg (Ed. Zulma 2009 et 2011). Entrée libre, sur réservation.

Lectures, conférences, spectacles autour d’August Strindberg : retrouvez la programmation parallèle complète ainsi que les autres événements Strindberg en France en consultant le site officiel www.strindberg2012.se L’exposition a été conçue à partir du livre The Worlds of Strindberg, une collaboration entre le spécialiste Björn Meidal et le photographe Bengt Wanselius (éd. Max Ström). Ces tirages récents proviennent d’originaux des collections de Strindbergmuseet, Nordiska museet et la Bibliothèque nationale de Suède. Production : Fotografiska.

August Strindberg

Né en 1849 et mort à Stockholm le 14 mai 1912, August Strindberg est l’une des plus grandes personnalités artistiques suédoises du tournant du 20e siècle. Surtout connu en France pour ses pièces de théâtre, il fut aussi romancier, essayiste, poète, peintre, photographe et alchimiste. Cosmopolite, il séjourna dans plusieurs pays dont la France. Certaines de ses œuvres furent même composées directement en français. Très critiques vis-à-vis de la société, ces textes suscitèrent de nombreux scandales en Suède et dans d’autres pays d’Europe. Admiré et haï à la fois, l’artiste demeure une icône. La célébration du centenaire de sa mort cette année, dans son pays et ailleurs dans le monde, illustre bien la place que ce génie occupe toujours dans le domaine de l’art et de la littérature.

Il y a toujours un aspect du caractère de Strindberg – du virulent polémiste social et politique au maître de l’introspection psychologique – qui répond à l’esprit et au climat intellectuel du temps. Ses idées sur la morale, les classes, les structures du pouvoir et la politique familiale sont toujours d’actualité. La lutte inlassable qu’il a menée toute sa vie pour la liberté de pensée et de parole est plus importante que jamais à une époque où la censure règne dans bien des pays. Une autre raison de la popularité de Strindberg est son accessibilité. Alors que les oeuvres anciennes paraissent parfois datées, ses textes parlent la langue de tous les jours et donnent une impression remarquablement moderne.

Des talents multiples

La diversité de Strindberg ne cesse de surprendre. Il s’est essayé à la plupart des genres. Novateur du théâtre et du roman, il a été aussi poète, peintre, photographe, et même sinologue. Sa vie privée orageuse explique aussi l’attrait durable qu’il exerce, d’autant plus qu’elle est si profondément liée à son oeuvre. La vie et l’oeuvre sont indissociables chez Strindberg. Lui-même pensait que l’oeuvre d’un écrivain est le reflet de son existence. Son évolution littéraire suit de près les turbulences de sa vie privée, entre autres les crises nées des mésententes conjugales et des controverses politiques.

Éducation et études

Il dira plus tard que son enfance a été marquée par la pauvreté et la désaffection, mais sa famille n’était pas pauvre. Son père, commissionnaire maritime, avait épousé sa gouvernante. Ils avaient huit enfants. Sa mère est morte jeune et les relations avec son père étaient tendues. Après une violente querelle en 1876, le père et le fils ne se sont jamais revus. Après son baccalauréat en 1867, Strindberg a mené une existence erratique. Il a été instituteur et précepteur, il a étudié la médecine et a voulu devenir acteur – le tout sans grand succès. À l’université d’Uppsala, où il a fait des études intermittentes, il s’était rendu insupportable par sa constante volonté de s’opposer aux professeurs. Il n’en était pas moins considéré comme un jeune écrivain prometteur. Il a travaillé un temps comme journaliste au Dagens Nyheter, le plus grand quotidien du matin, et comme assistant à la Bibliothèque royale à Stockholm. C’est vers cette époque qu’il rencontre Siri von Essen, qui sera sa première femme. Finlandaise de langue suédoise, aristocrate, mariée, elle ambitionnait d’être actrice. Ils vivent une passion orageuse, alternant entre désir et haine. Après bien des péripéties, ils se marient en 1877.

Premiers succès littéraires et exil

En 1879, Strindberg fait sa percée littéraire avec un roman satirique, Le Cabinet rouge. Encouragé par ce succès, il continue d’écrire, s’attaquant volontiers aux pouvoirs établis suédois.

Après la publication d’une virulente satire, Le Nouveau Royaume (1882), les réactions sont si hostiles que Strindberg se voit contraint de quitter la Suède. Commencent alors des années d’exil, pendant lesquelles il sillonne l’Europe avec sa famille. En Suède, les scandales se multiplient ; après la publication de son recueil de nouvelles Mariés (1884-1886), il est poursuivi pour blasphème. Strindberg est acquitté, mais son instabilité mentale et sa paranoïa s’en trouvent accrues. Le délire de persécution mine aussi son mariage, qui va de plus en plus mal. Cette crise conjugale coïncide avec la montée du mouvement féministe, qui est très probablement à l’origine de sa vision délétère de la femme.

La crise d’Inferno

En 1891, Strindberg divorce et part pour Berlin, où il contracte un bref mariage avec la journaliste autrichienne Frida Uhl. Ils ont une fille mais ne tardent pas à se séparer et Strindberg s’installe à Paris. Tourmenté par d’invisibles ennemis et victime d’hallucinations, il entre alors dans une période noire de sa vie, qu’il relatera dans Inferno. C’est à cette époque aussi qu’il commence à s’intéresser aux sciences de la nature et à l’alchimie.

Retour en Suède

Après la crise d’Inferno, Strindberg retrouve un peu de sérénité et rentre en Suède. Il se marie pour la troisième fois, avec l’actrice Harriet Bosse. Leur union sera de courte durée, et ils se séparent peu après la naissance de leur fille Anne- Marie en 1902. En 1907, Strindberg lance avec l’acteur August Falck le Théâtre intime à Stockholm. Il revient à la critique sociale et se trouve impliqué dans une polémique qui est entrée dans l’histoire sous le nom de « bataille de Strindberg »

Maladie et mort

Dans les dernières années de sa vie, Strindberg occupait un appartement du centre de Stockholm, aujourd’hui transformé en musée. L’actrice Fanny Falkner, son dernier grand amour, vivait dans le même immeuble. Le 14 mai 1912, August Strindberg meurt, probablement d’un cancer de l’estomac. Son cortège funèbre a été suivi par quelque 60 000 personnes et la presse naguère si hostile lui a consacré des nécrologies dithyrambiques – ironie du sort pour un écrivain qui avait passé toute sa vie à s’opposer aux pouvoirs en place.

Exposition du 04.05.2012  au 14.10.2012

Institut suédois

• 11 rue Payenne
• F-75003 Paris
• www.institutsuedois.fr

Pour sa première participation à Lille Art Fair, La Galerie du Cardo a choisi de présenter les sculptures âpres de Ruta Jusionyte , les tracés incisifs de Maxime Frairot , et la subtilité poétique du peintre Christophe Lachize.

Située dans le cœur de Reims dans le quartier mythique du Boulingrin, depuis six ans la Galerie du Cardo propose au public la monstration d’artistes plasticiens de riche engagement esthétique : de Fabien Claude à Abraham Hadad, de Philippe Croq à Alain Maison.

Les artistes :

Ruta Jusionyte

C’est d’abord le regard qui frappe en présence des sculptures de Ruta Jusionyte: intense, tourné vers l’intérieur en même temps qu’aimanté vers un point d’horizon qui nous reste obscur . Née en Lituanie en 1978 et issue d’une famille d’artistes, Ruta Jusionyte vit et travaille en région parisienne. Elle expose dans de nombreuses galeries en France, Belgique et Lituanie depuis 1998. Ses œuvres sont entrées dans des collections privées.

Maxime Frairot

Inclassable et insolite l’œuvre de Maxime Frairot est une mise en scène de l’humain, un collectif d’humains. Une vision picturale particulière de notre humanité. Né en 1976 à Lyon, Maxime Frairot vit et travaille en Champagne Ardennes. Depuis 2001 il expose dans nombreuses galeries en France, au Luxembourg et en Espagne, et travaille sur des projets pédagogiques d’art contemporain pour les centres de l’UNESCO.

Christophe Lachize

Tout d’abord, couches après couches, se construit une peinture abstraite souvent tourmentée, tout en matière. Alors seulement vient l’apaisement et l’arbre peut exister. Il a une place et une seule. Un travail à l’encre qui se veut à l’encontre de ce qui s’est déroulé précédemment, réfléchi et précis. Christophe Lachize vit et travaille à Lyon. Il expose dans des galeries en France depuis 2004.

Galerie du Cardo

• 27 rue Henri IV quartier Boulingrin,
• 51100 Reims

Allez prendre un  grand bol d’air avec l’exposition « Phares » qui se tiendra au musée national de la Marine  jusqu’au 4 novembre 2012. Cette exposition vous parle des phares, de tous les phares, qui ornent de par leur majesté et leur scintillement,  les côtes françaises. Elle explique et met en scène la vie parfois rude et monacale de ses gardiens mais nous montre aussi  la beauté et la vie autour de ces phares. Elle vous parlera aussi de  technique et de lentilles, de Fresnel son inventeur, lentilles que vous pourrez admirer dans un bal de lumières et cela dès l’entrée de l’exposition. L’exposition « Phares » vous emportera dans une grande ballade pleine de  poésie, en mer et sur terre,  dans une scénographie à la fois dynamique et intelligente.

L’exposition

L’histoire de ces monuments français commence avec le monumental phare de Cordouan, construit en 1611. Aujourd’hui, 150 « sentinelles des mers » rythment de leurs faisceaux lumineux nos 5500 km de côtes (métropole et outre-mer). Au XIXe siècle, c’est à Paris que débute l’aventure industrielle des phares : recherche, laboratoire scientifique, fabrication. Avec la Tour Eiffel comme emblème, Paris était véritablement la « capitale des phares ». Isolés, vivant dans des conditions souvent rudes, des hommes et femmes, dont le métier a aujourd’hui disparu, ont donné vie quotidiennement aux feux de la mer. De la tour d’Alexandrie, une des sept merveilles du monde, le mythe des phares est né. La dimension symbolique de ces constructions exemplaires a créé une culture « phare » notamment dans la littérature, le cinéma, ou la musique au plus grand bonheur des collectionneurs et des touristes.

PHARES au musée national de la Marine

Le temps de sa grande exposition 2012, le musée propose une immersion dans le monde des phares. Sur 1000 m2, les visiteurs sont invités à connaître leur histoire, leur évolution scientifique et technique, leur fonctionnement, découvrir les hommes qui les ont créés ou servis, mais aussi s’intéresser à la culture savante et populaire qu’ils engendrent. Une large place est donnée aux images animées qui rythment le parcours de l’exposition. Visites, animations, conférences, cycle de projections permettront à tous les publics d’enrichir leurs connaissances sur les phares. Sous le faisceau rayonnant de la Tour Eiffel, voici bientôt une fenêtre ouverte sur le grand large et nul doute qu’elle suscitera l’envie d’aller vers de « vrais » phares, après avoir appréhendé cette passionnante histoire à laquelle la France a contribué de façon majeure sur toutes les mers, à l’approche de tous les continents. Cap sur les Phares !

Regarder :

• Exposition du 7 mars au 4 novembre 2012

musée national de la Marine 17, place du Trocadéro 75116 Paris