NATIONAL CENTRE FOR CONTEMPORARY ARTS – WHAT WE HEAR AND WHAT FACES US / VOIS CE QUE J’ENTENDS

24 septembre > 17 décembre 2010

Dans le cadre de l’année croisée France / Russie

Pour cette saison qui débute, de nouvelles perspectives s’ouvrent du côté de la Russie, nation au long cours et dont la simple évocation réveille les imaginaires du passé. Mais acteur contemporain à part entière, la Russie fait l’objet d’un focus tout particulier au sein d’une année croisée avec la France et à laquelle le centre des arts prend pleinement part.

Avec le National Centre for Contemporary Arts situé à Moscou, le projet « What we hear and what faces us » ou littéralement « Vois ce que j’entends » est consacré aux phénomènes de perception et de visualisation des sons. Au fil de cette exposition, ces émissions sonores donnent lieu à des acoustiques visuelles singulières et oniriques; on découvre alors le répertoire d’un langage qui devient la trame de figurations souvent poétiques, s’enrichissant via les technologies actuelles, de formes vidéo, photographiques ou encore animées.

• Vernissage > 23 septembre 2010 . 18h30 entrée libre
• Co-commissariat : National Centre for Contemporary Arts – centre des arts

Avec :

Arseny Avraamov / Vladislav Efimov / N.Y. Group (Nadya&Yuriy) / Project «Generation Z» / Evgeny Sholpo / Vladimir Tarasov / Leonid Tishkov / Nikolay Voijnov / Boris Yankovsky / Vadim Zakharov /

DANSE : CIE LIONEL HOCHE – ENTRELACS

S’inscrivant dans la continuité de sa réflexion sur la notion d’« outremonde », entamée en 2008 avec le spectacle Pan !, Lionel Hoche poursuit avec entrelacs sa quête poétique de la dimension magique et invisible de l’existence. Dans ce nouvel opus, le chorégraphe choisit une voie d’accès à la fois plus incarnée et plus immatérielle à cet « outremonde », qui passe par les corps, l’opacité de la chair et la fugacité des gestes. Ces corps sont ceux des cinq danseurs interprètes, dont la présence et les mouvements génèrent un dialogue avec une création vidéo interactive, en un ballet d’ombres et de lumière puissamment poétique. Une écriture de la dualité se déploie ainsi dans une étroite mise en relation des corps, de l’espace, de l’image et de la musique, principalement composée de pièces contemporaines pour orgue. Masses noires déshumanisées et presque invisibles, ou spectres passifs, diaphanes et possédés, les corps des danseurs introduisent une dimension fantastique dans l’espace chorégraphique, tout entier traversé par une esthétique de la dualité et de l’altérité.

La Compagnie Lionel Hoche

L’histoire de la Compagnie Lionel Hoche commence en 1992, au moment où son chorégraphe décide de se consacrer entièrement à la recherche de son propre vocabulaire. Attaché à une écriture fine et vigoureuse, le chorégraphe crée alors sa première pièce Prière de tenir la main courante présentée au Festival International de Danse de Cannes.

« Si son langage est très écrit, structuré, précis, il reste néanmoins très libre par l’autonomie qu’il laisse aux interprètes. C’est une histoire humaine et artistique qui anime l’esprit de la Compagnie Lionel Hoche. Et l’alchimie opère. Chaque nouvelle création est l’occasion de collaborations artistiques fructueuses que ce soit au plan musical ou plastique. Curieux et audacieux, le chorégraphe insuffle ses qualités humaines à sa créativité, donnant à sa compagnie vivacité et générosité ». Gallia Valette-Pilenko

Depuis 2005, la Compagnie Lionel Hoche poursuit son travail de création et de sensibilisation à la Maison de la musique de Nanterre. Elle y a réalisé la trilogie Plexus/Praxis/Vortex et y prépare sa création 2008 intitulée PAN !

Une trajectoire qui reflète le désir de l’artiste de rester fidèle à sa passion pour le corps dansant, à son architecture et à celle du vivant dans sa dimension sociologique.

L’humain et son environnement sont depuis toujours au coeur des projets que développe Lionel Hoche. Intérieur et extérieur y forment un tout interactif et riche. Ce va-et-vient alimente constamment l’observation des rapports humains, du singulier au pluriel, de l’individu au groupe. Au delà du traitement chorégraphique, Lionel Hoche implique aussi son travail dans une recherche plastique et scénographique. Cet ensemble de préoccupations résonne sur tout le processus de création.

représentations

Entrelacs (septembre 2010)

• 11 septembre 2010 – Avant première Festival « Le Temps d’aimer »
• 2 octobre 2010 Centre des Arts d’Enghein
• 25 octobre 2010 MJC Théâtre de Colombes
• 2, 3 et 4 mars 2011 Centre National de la Danse, Pantin
• 7 et 8 avril 2011 Opéra de Massy

centre des arts

12-16 rue de la Libération

95880 Enghien les Bains

Voir le plan

www.cda95.fr

accueilcda@cdarts.enghien95.fr

Tél > 01.30.10.85.59 / Fax > 01.30.10.88.99

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Du 2 au 24 octobre 2009 aura lieu les troisième rencontres d’art contemporain à Cahors. « Les rencontres d’art contemporain » existent depuis 2006 et proposent une manifestation annuelle à Cahors.

Carrefour de rencontres, de projets, soutenant la création sous toutes ses formes, les “rencontres d’art contemporain”  présentent tous les ans, un artiste majeur de l’art d’aujourd’hui, et un ou plusieurs artistes émergeants.  A cette occasion sont organisées des conférences publiques. Tous les ans un appel à projet est lancé pour l’édition de multiples. Les oeuvres sélectionnées sont présentées lors de la manifestation annuelle, dans des foires d’art contemporain et sur le site.

Programme 2010

Vernissage le 1er octobre à 19h00 à la Chantrerie

La Chantrerie

le samedi 2 octobre à 14h30 sur le parvis de la médiathèque et rencontre avec le public

Le site des rencontres : http://www.lesrencontresdartcontemporain.com

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La galerie le Pictorium présente Georges Amann « Rock‘N’Roll Vibrations » 1973 – 1992

Une exposition présentée dans le cadre du Mois de la Photo-OFF

du 7 octobre au 24 Novembre 2010

Vernissage le 7 octobre 2010 de 18 h à 22 heures ..

« Rock ‘N’ Roll Vibrations » est un hommage émouvant (Noir & Blanc et Couleur) aux Légendes du Rock des 70’s et des 80’s. Cette balade rétrospective, de Led Zeppelin à Nirvana, restitue la fougue et l’énergie bouillonnante de ces musiciens qui ont bâti l’Histoire de cette musique. Pour cette occasion, la sueur, l’émotion et les guitares volubiles se retrouvent sur des scènes mythiques, aux 4 coins de la Planète….Rock.

Cyril Amann Junior :

Le rock et la photographie ont ceci en commun : ils sont immortels, inoubliables et sans limite. Les coups de canon ont désormais retenti, et il est à présent l’heure de dévoiler au monde «Rock’N’Roll Vibrations», une incroyable compilation photographique retraçant deux décennies de rock à l’état pur (de 1973 à 1992), une épopée immortalisée à jamais sous le regard incandescent du photographe Georges Amann. Aux travers de portraits inédits de ceux qui ont fait l’Histoire du rock, de Led Zeppelin à Nirvana, en passant par Eric Clapton et Frank Zappa, replongez-vous dans cette ambiance électrique imprégnée de senteurs enivrantes de patchouli, de cuir vieilli par des temps innocents, de volutes de fumée bleue, de sueur, et de sensualité exacerbée, sous des rugissements de guitares aux riffs affûtés résonnant encore dans nos têtes. «Rock’N’Roll Vibrations» est le reflet d’une vie animée par l’amour et la passion, un hommage aux Enfants du Rock, aux Artistes légendaires, et aux temps révolus de l’insouciance et de la libre expression artistique (musicale et photographique), marquant ainsi des générations entières.

Symbole de résurrection ou éclosion d’images «rockambolesques» prises sur le vif, il va sans dire que cette oeuvre est une véritable bombe à retardement qui ne demandait qu’à surgir, tel un cri dans la nuit.

Les lumières s’éteignent et le rideau s’ouvre :
Let there be light, and there was light
Let there be sound, and there was sound
Let there be drums, there was drums
Let there be guitar, there was guitar, ah
Let there be rock….
(let’s there be rock -AC/DC )

Georges Amann par himself :

ITINERAIRE D’UN ENFANT DU ROCK

« Une photographie, c’est un arrêt du coeur d’une fraction de seconde »
Pierre Movila (extraits des « Petits écrits de la boite à image »)

Tandis que le Rock pousse ses premiers cris, au début des 50’s, j’ouvre mes yeux sur le monde…

Bercé, dès ma plus tendre enfance, par les symphonies de Beethoven, les chansons de Brassens, Brel, Ferré et… Chuck Berry, je découvre, avec exaltation, le rock anglais des 60’s (Beatles, Who, Kinks, Stones, Animals), puis le rock psychédélique californien (Jefferson Airplane, The Doors, Janis Joplin et Jimi Hendrix).
Les magazines musicaux et photographiques deviennent très vite mes livres de chevet dans lesquels je me délecte, avec bonheur, et envie, des photos de Jean-Pierre Leloir, Richard Avedon, Robert Doisneau, Jean-Loup Sieff, Raymond Depardon et Willy Ronis.

Au début des 70’s, je deviens assistant-photographe dans un studio du Marais, spécialisé dans la mode et la publicité, mais c’est le 2 avril 1973, après le concert mémorable de Led Zeppelin à Saint-Ouen, que je décide d’allier mes 2 passions : le Rock et la Photographie !!

Mon initiation, en free-lance, débute en 1975, comme photographe exclusif du spectacle « Faust Salpétrière » de Klaus-Michael Grüber (Schaubühne de Berlin), et du Festival d’Automne de Théâtre de Paris (1975-1976) : s’en suivent mes premières parutions et mes premiers press-books pour comédiens.

Parallèlement au théâtre, jusqu’en 1980, les anciens Abattoirs de La Villette et le Théâtre du Palace deviennent mes lieux de prédilection où j’immortalise, sans pass-photos, les grands noms du rock de l’époque..

Suivant les conseils avisés de mon ami Stéphane Vallet, écrivain et journaliste, je rajoute une « corde à mon arc » en me mettant à l’écriture et collabore à Rock en Stock et Libération.

En 1984, je participe à la création du mensuel HARD-ROCK MAGAZINE en temps que photographe-journaliste, tout en collaborant à d’autres magazines musicaux (Batteur Magazine, Blah-Blah {mensuel gratuit de la FNAC}, Guitaristes, Guitares et Claviers, Metal Hammer….) et j’effectue, jusqu’en 1992, de nombreux voyages de presse aux U.S.A., en Angleterre et en Europe.

Après avoir, pendant 20 ans, capté les mouvements et les émotions des plus grands musiciens (selon mes goûts) de la Planète Rock, je décide, en septembre de la même année, d’ »émigrer » sur la terre de mes ancêtres maternels, en Charente-Maritime.

Depuis, je vis au « rythme des marées » et capte la lumière, les contre-jours et les reflets d’un patrimoine maritime mis en valeur par une luminosité exceptionnelle.
Même si j’ai troqué mes fidèles santiags pour des charentaises, le rock me colle toujours à la peau et mes ouïes sont toujours aussi attentives à cette musique qui « rythme » toujours autant mes journées.

Fin 1997, les musiciens d’AC/DC (mon groupe fétiche!) choisissent une de mes photos (prise au Pavillon de Paris en décembre 1979) pour la « front-cover » de leur coffret « Bonfire » : cela reste ma plus grande fierté, à ce jour!!

Georges AMANN

A cette occasion, le Pictorium présentera le nouveau coffret de Georges Amann intitulé : «Guitaristes de légende».

Le Pictorium

12 rue du Moulin Joly 75011 Paris métro Couronnes ou Belleville – Ouvert de 10 à 19 heures du lundi au vendredi et de 14 à 19 heures le samedi, nocturne tous les jeudi jusqu’à 22 h

http://www.lepictorium.fr/

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Ramon Martins : Un illimité multiculturel

S’il existe un mot qui puisse bien définir l’oeuvre plastique de Ramón Martins c’est « multi. » Sa diversité est dans ses origines, ses références, ses résultats et dans sa façon de percevoir le monde au delà des limites, insurmontables pour beaucoup.

Né à São Paulo, le 5 janvier 1981, mais élevé à Minas Gerais, l’artiste, qui aujourd’hui réside à Brasília, parvient même à mélanger les aspects du style baroque tout en introduisant l’influence absolument contemporaine du graffiti.

De la même façon, il utilise le spray avec une compétence reconnue, mais cela ne l’empêche pas aussi d’alterner avec la peinture acrylique et l’aquarelle pour l’adoucir. Il révèle dans ces techniques une délicatesse et même un profond lyrisme, pas toujours contenu, avec un brin de sensualité et un sens différent de la composition.

Bachelier en arts Plastiques à l’Escola Guignard de Belo Horizonte, avec une expérience dans l’art de la rue et des activités avec des jeunes peintre de graffitis -le projet Guernica- il est amené à voyager vers des pays tels que la France et la Belgique. Son art utilise des langages différents pour obtenir un impact fort.

On trouve dans ses oeuvres un dialogue marqué avec l’Orient, mais ces images révèlent une intensité, ne se montrant jamais convenables, mais remplies d’ironie et d’irrévérence face à la société.

La présence de plusieurs courants culturels, telles que l’art africain ou l’art indien, collabore à la richesse de son travail. Son caractère multiculturel, la richesse de ses références est illimitée, parce qu’il a comme principe d’additionner les expériences, qu’elles viennent de l’université ou de la rue, de la coexistence plastique ou existentielle.

Le résultat nous offre un travail considérable au contenu viscéral qui présente des techniques différentes apportant à son travail une qualité, et un langage particulier bien plus délicat, bien plus critique mais avant tout sincère en tant qu’expression plastique.

Galerie Géraldine Zberro – 23 rue Jean-Mermoz 75008 Paris – Tel : +33 (0)1 42 89 49 64

http://www.galerie-geraldine-zberro.com

Ramon Martins : http://www.myspace.com/estrume

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Nadia Bertaux

une exposition des sculptures de
Nadya Bertaux

Exposition
du 11 octobre 2010 au 9 janvier 2011
Vernissage
le jeudi 21 octobre à partir de 18 h

La Verrière
Leroy Merlin Quai d’Ivry
2/12 rue François Mitterrand 94 200 Ivry sur Seine
Ouvert du lundi au dimanche de 9h à 20h
et le jeudi jusqu’à 21h

Nadya Bertaux est née et vit en Ile de France.
Ancienne élève de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris et de l’Ecole d’Art Graphique Elisa Lemonnier.

Son travail a souvent fait allusion à la notion du temps et de la mémoire. A partir de différentes thématiques, elle évoque le long parcours de l’être et de son cheminement silencieux qui le guide et l’égare. La transformation, le renouvellement des choses sont aussi abordés dans ses installations.

• L’architecture Marocaine : peintures représentant des ksars abandonnés qui s’égrènent et retournent à la terre originelle.
• Les chantiers de démolition : sculptures qui mettent en exergue des matières récupérées pour conserver la mémoire d’une époque.
• Le temps : travail sur son propre rapport à cette problématique.
• Le vent : un théme utilisé comme métaphore poétique pour parler du cycle de la vie, et du souffle intérieur.

Depuis 1985, elle participe à de nombreuses expositions.

Nadya Bertaux :

Durant de nombreuses années, l’artiste a privilégié les formes épurées, droites, rigides, mettant en valeur le côté formel de ses sculptures élaborées à base de papier et de métal. Plus récemment, elle s’est mise à explorer des volumes ronds, sphériques, en utilisant des fils d’aluminium entrelacés, issus d’un fin grillage. Ce matériau exprime subtilement la sensation de légèreté qui émane de ses oeuvres aux formes minimales. Elles tentent de signifier la course du vent, son parcours, son passage… mais aussi le voyage. Son travail a souvent fait allusion à la notion du temps et de la mémoire. À partir de différentes thématiques, elle évoque le long parcours de l’être et de son cheminement silencieux qui le guide et l’égare. La transformation, le renouvellement des choses sont aussi abordés dans ses installations. Créées spécialement pour le lieu, les sculptures monumentales de Nadya Bertaux seront présentées dans l’espace irradié de lumière de « La Verrière », conviant les visiteurs vers un voyage imaginaire hors du temps.

Pourquoi des expositions chez Leroy Merlin ? par Gaëlle Gautier de Leroy Merlin Quai d’Ivry

Offrir un temps de respiration différent est l’une des raisons qui nous a conduit à réaliser des expositions dans l’espace « La Verrière » du magasin. A son ouverture en février 2005, il était facile de transformer cette vitrine en un espace commercial semblable aux grandes surfaces que nous connaissons tous. Nous avons voulu au contraire garder le hall intact, vide et pur.

Exposer des oeuvres d’art contemporain dans notre hall ne procède d’aucune intention commerciale, mais d’une envie de mettre à la disposition de nos clients ce sas de décompression entre leur quotidien et l’acte d’achat qu’ils effectuent chez nous. Cela nous est apparu d’autant plus naturel que notre objectif en tant que magasin de décoration et de bricolage consiste à proposer à nos clients des produits et services pour embellir leur habitat, et que l’art est un moyen de personnaliser, de donner une âme à nos lieux de vie.

Nous avons été naturellement portés par l’essor culturel de l’Est Parisien, par cette volonté de démocratiser l’art et de favoriser la rencontre avec un large public. Elle s’est traduite par l’implantation du Mac/Val à Vitry, par le Centre d’art (Crédac) et la Galerie Fernand Léger à Ivry et la présence de l’espace Bétonsalon, Centre d’Art et de Recherche installé dans les bâtiments de l’Université Paris 7 – Denis Diderot, dont nous soutenons la structure en tant que mécène.

Le choix des expositions s’effectue selon plusieurs critères :

• Offrir à nos clients et au personnel un temps de liberté et d’évasion. C’est un espace temps qui permet de s’évader de ses préoccupations quotidiennes, de s’interroger, de « réveiller » les sens. C’est pourquoi nous privilégions les expositions qui se dévoilent dans le temps et suscitent réflexion et dialogue.
• Utiliser des matériaux issus de notre magasin pour réaliser les oeuvres exposées. Le bricolage est un art à sa manière et il existe une forte connivence entre les bricoleurs passionnés et les artistes contemporains. De nombreux artistes fréquentent notre magasin et nombre de nos clients bricoleurs sont sans doute des artistes qui s’ignorent…
• Favoriser les installations spécialement créées pour La Verrière. La première exposition réalisée pour cet espace fut “Vibrations cinétiques et sonores” : son rideau d’ondes était conçu avec du matériel de notre magasin. « Être en vent libre », l’exposition des sculptures de Nadya Bertaux, sera la 5e exposition pensée pour le lieu.
• Inscrire notre activité artistique dans la politique culturelle de la ville d’Ivry. Nous avons exposé à trois reprises des artistes ivryens dans La Verrière et en septembre 2009, nous avons participé aux journées portes ouvertes des ateliers d’artistes à Ivry ; nous participerons à Pleins Feux en septembre 2010.

Le site de l’artiste : http://www.nadyabertaux.com

La Verrière
Leroy Merlin Quai d’Ivry
2/12 rue François Mitterrand 94 200 Ivry sur Seine
Ouvert du lundi au dimanche de 9h à 20h
et le jeudi jusqu’à 21h

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Les noces françaises - Thierry Hay - Photographies : Jean François Damois

accrochage le vendredi 1 eroctobre 2OIO
vernissage rencontre musique
jeudi 7octobre 2OIO à partir de I8h3O

MÉTAMORPHOSE

Dans les toiles de Thierry Hay, les personnages se transforment en êtres vidés de leur substance, fantomatiques, aux visages masqués. Cette métamorphose s’opère par la forme et la couleur. Les visages et les corps bien ordonnés font place au désordre, à l’incongru et à la fantaisie grâce à l’univers du masque. L’artiste pense et crée des formes inhabituelles qui nous emportent dans un univers fantastique. Pour Thierry Hay, le masque de ses personnages est le révélateur et l’intercesseur des sentiments que l’homme cache sans cesse. Le masque, comme instrument de métamorphose, a le pouvoir de dépasser et de transformer les apparences. Il permet à celui qui le porte de nier ses limites corporelles et d’agir comme s’il n’y avait plus de barrières entre lui et le milieu environnant. Les êtres représentés ne communiquent pas, ils sont isolés dans leurs sentiments. Les dessins et peintures de Thierry Hay révèlent au spectateur la part visible et invisible de l’être humain, exprimée avec une grande intensité. Le masque permet à l’homme, doté d’une dualité originelle, d’accéder à la métamorphose de son être, à la révélation de son inconscient. Par sa technique, il détourne la méthode douce de la peinture asiatique avec son système de plein et de vide, de noir et de blanc, en se dirigeant vers la projection d’une subjectivité qui tend à déformer la réalité et à inspirer une réaction émotionnelle. L’appréhension sur les visages des personnages nous interroge et donne parfois un étrange sentiment de malaise. Il transparaît dans son oeuvre les thèmes actuels de nos sociétés contemporaines : le couple, les sentiments, la communication ou plutôt le manque de communication dans les méandres de laquelle l’homme moderne, à l’ère de l’information tout azimut, semble s’être paradoxalement perdu.

Thierry Hay - Photographies : Jean François Dam

Thierry Hay se présente himself :

Après des études d’histoire et de Philosophie, j’ai effectué plusieurs voyages en Italie. Là, je découvre les fresques des primitifs et la peinture italienne, avant de m’intéresser aux vitraux et à Francis Bacon. Quelques années plus tard, devenu archéologue en Égypte, où j’ai vécu plus de deux ans, je me passionne pour la fragmentation de la lumière, et les cicatrices du temps sur la pierre, comme sur les visages. Quittant l’Égypte, je reviens en France, où je deviens journaliste, puis grand reporter pour plusieurs chaînes de télévision et réalise de nombreux reportages. Mes toiles portent je crois l’obsession de la couleur, mêlant un ensemble de techniques : acryliques, cires, huiles, que je complète par des griffures et autres écorchements.J’utilise beaucoup le noir , mais s’ il existe par lui même, il est aussi là pour rehausser les autres couleurs . Je travaille très souvent à partir du visage humain : l’homme-animal…Rien n’est plus mystérieux encore aujourd’hui pour moi qu’un visage humain car l’homme est une drôle de bestiole. Je travaille beaucoup sur les têtes, les visages. Je rêve de saisir l’instant ou l’homme comprend qu’il est petit et que le doute le prend. Je voudrais que mes visages soient porteurs de Vie : joie, angoisse, désespoir, absence, acceptation de la mort, révolte, animalité. Je recherche sans arrêt la part d’animal chez l’homme et le principe sexuel de deux éléments qui s’emboîtent me passionne. Il offre pas mal de combinaisons ou de suggestions picturales. L’évidence, la simplicité, la grandeur d’âme des masques de pays dits sous-développés m’apprennent beaucoup.

Galerie artouchgalerie

23 rue des tournelles
75OO4 Paris Tél : OI42786963

Contact de l’artiste :

Eve de Médeiros

27 rue Louis Philippe

92200 Neuilly sur seine

+33 (0) 620420085

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Dominique Gayman

LE GÉNIE DE LA BASTILLE,
association pour la diffusion
et la défense de l’art contemporain
vous invite à la
5ÈME RENCONTRE DU GÉNIE DES JARDINS,
parcours d’interventions artistiques
dans les jardins du XIème arrondissement.
DU 26 SEPTEMBRE AU 3 OCTOBRE 2010

Le Génie de la Bastille,

Depuis sa création il y a 26 ans, l’association Le Génie de la Bastille a contribué à développer de nouveaux rapports entre l’artiste et le public.

• 1984 : Les premiers ateliers d’artistes ouverts au public, le lieu de travail devenait lieu d’exposition, une “porte ouverte” sur l’Art contemporain dans le quartier de la bastille.
• 1988 : Ouverture au monde, les échanges avec les artistes internationaux élargissent la rencontre autour de l’Art et interrogent sur la question du rapport entre le lieu et l’oeuvre. Scandinavie, hollande, Portugal, Italie, Japon, Chili, Allemagne, Algérie, Etats-Unis, Corée, Pologne…
• 2004 : Première fête des “Fête des Arts Plastiques” Place aux plasticiens : des mètres carrés pour les artistes, réalisations de carrés peints sur les trottoirs de la place de la Bastille. Prés de 500 artistes de paris et d’Ile de France participent à l’événement.
• 2006 : Création de l’évènement “Le génie des jardins“, rencontrer le public dans l’espace du quotidien, les squares et jardins du 11e arrondissement de Paris. Chaque année une soixantaine d’artistes présentent des installations et performances artistiques pour une durée de 8 jours dans les jardins.

L’intitulé de cette année est « RESPIRER » avec 55 artistes qui convient le public à venir dialoguer autour de leurs interventions d’art contemporain.

Le Génie des jardins, In situ

• 2010 : L’association le Génie de la bastille vous invite à la 5e rencontre du Génie des jardins dans le 11e avec comme intitulé cette année : RESPIRER.

Respirer, pour ressentir une expression artistique “IN SITU“, l’Art contemporain comme une expérience au quotidien. Une pause, une promenade, prendre le temps de la rencontre, nous vous invitons à venir dialoguer avec les artistes.

Les installations et les performances présentées visent à créer les conditions artistiques et sociales du dialogue avec le public et à promouvoir la création artistique contemporaine. C’est l’occasion d’éveiller l’intérêt des passants, de créer des interactions, de surprendre, d’interroger, de solliciter l’imaginaire et si possible de ravir. C’est aussi un moyen d’attirer l’attention des habitants sur la place essentielle du jardin dans notre vie quotidienne, de soutenir le développement de la vie culturelle dans les quartiers, de participer à l’évolution du territoire urbain et faire surgir des formes nouvelles de convivialité par la médiation artistique.

Les Jardins :

• SQUARE MAURICE GARDETTE – 2, RUE DU GÉNÉRAL BLAISE
• SQUARE DE LA ROQUETTE – 143, RUE DE LA ROQUETTE
• SQUARE FOLIE TITON – 28, RUE DE CHANZY
• SQUARE COLBERT – 159, RUE DE CHARONNE
• SQUARE MAJORELLE – 28, RUE DE LA FORGE ROYALE

Le site :

http://www.legeniedelabastille.net/

Marie-France Vassel

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Les Portes Ouvertes des Ateliers de Ménilmontant confirment chaque année leur succès populaire et l’engouement d’un public diversifié et intéressé venu de tous les arrondissements de Paris et de la région parisienne. Ces journées nous permettent d’affirmer notre volonté de promotion des artistes en s’appuyant sur les valeurs qui nous animent : contact direct et accueil chaleureux, déambulation dans un paysage culturel aux facettes multiples, diversification des lieux d’exposition qui permettent de créer des liens avec les acteurs de la vie locale (centres sociaux, relais artistiques, commerces) en présentant les artistes dans le tissu social du 20e arrondissement. Devant la problématique de la disparition progressive et inéluctable des surfaces de production (ateliers collectifs et individuels), ce dispositif des Portes Ouvertes reste un moyen pour affirmer une présence culturelle effective au sein d’un arrondissement novateur et à l’écoute de ses artistes. Les liens solidaires et durables qui nous unissent aux visiteurs doivent être préservés et ils soulignent notre engagement vers un art pluriel nécessaire à la cité.

du 24 au 27 semptembre

de 14h à 20h

Marie-Laure Dupont

150 artistes,

peintres,

sculpteurs,

photographes,

graveurs,

céramistes

vidéastes…

accueilleront

les visiteurs

dans leurs ateliers

durant ces 4 jours

2 points d’acceuils :
CAT
42 rue des panoyaux 75020 Paris
m° ménilmontant,

MJC
43 rue du Borrégo
m° st fargeau 75020 Paris

http://ateliersdemenilmontant.org/

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Madame HIROKO KOSHINO créatrice de mode, et peintre présentera sa première exposition « ART & FASHION EXHIBITION », au public et à la Cité de L’Architecture & du Patrimoine, les 29 et 30 Septembre, de 10 heures à 19 heures, le 1 Octobre, de 10 heures à 15 heures.

Une Collection Eté 2011, présentant Tableaux, Textiles & Vêtements….. La Calligraphie est à L’Honneur…. Hiroko Koshino , artiste reconnue au Japon, aux multiples facettes, revient après plusieurs saisons d’absence, à Paris , pendant la Fashion Week, à partir du 29 Septembre 2010.

Madame Hiroko Koshino nous présente sa collection Printemps-Eté 2001 :

Mon concept artistique est le SUIBOKUGA (Dessin à l’encre de Chine/ Lavis) .L’univers du noir et du blanc, différent de l’univers de la peinture en couleurs. Cependant il ne s’agit pas de bicolore (d’un simple noir et blanc).

Toutes les nuances variées à l’infini, du vrai noir, Sumi-iro (couleur de l’encre), jusqu’au Usu-zumi-iro (couleur claire de l’encre) ainsi que la bavure et le flou des traits au pinceau sur un papier japonais fait à la main, expriment cet univers mystérieux et profond.

Une seule encre exprime toutes les couleurs sur cette terre.

SUIBOKUGA (Dessin à l’encre de chine) né en Chine, s’est développé avec le dogme ZEN. Cet univers des nuances du blanc et du noir est toujours aimé, apprécié, non seulement au Japon, mais également en l’Asie de l’Est ainsi qu’en Asie de Sud-Est

Un jour, lors d’un voyage au Viêtnam, dans sa ville débordante de couleurs, j’ai ressenti l’esprit de SUMIE (SUIBOKUGA). La fleur de Lotus, le symbole du Viêtnam, est un sujet de SUIBOKUGA qui a été dessiné à d’innombrables reprises. Fortement marqué des empreintes européennes par la colonialisation française, le pays n’a jamais oublié son cœur asiatique. C’est dans ce pays que je me suis penchée à nouveau sur le Thème de ma vie.

Mon Thème perpetuel : Des choses qui naissent quand les éléments occidentaux pénètrent dans l’Orient. Cette fois, j’ai voulu aborder ce Thème de front.

Pour la création de la Collection printemps/été 2011, j’ai commencé par dessiner. Par la suite, j’ai classés mes dessins en deux univers : Dans l’univers de SUMIE (SUIBOKUGA) ou celui de couleurs débordantes comme j’avais expérimenté au Viêtnam.

Pour moi, ces deux univers ne sont pas en opposition, mais représentent le reflet mutuel des deux miroirs (AWASE-KAGAMI). C’est avec les textiles à base de ces dessins réinterprétés que j’ai réalisé cette Collection. Des modèles contemporains que je crée sont à la fois asiatiques et modernes à l’européenne.

Les techniques utilisées ne sont pas architecturales mais orientales : Je plie, je tortille les matières. Une robe flottante et ondoyante, dans laquelle le corps voltige au vent. Des lignes fluides avec de la légèreté qui expriment le printemps et l’été. Dans cette Collection & Exhibition, je vous présente toutes les étapes de mes créations : Les dessins originaux, le design textile et les pièces de la Collection.

Pour mieux vous faire ressentir ainsi, mes pensées et mes techniques de toute ma création.

• Cité de L’Architecture & du Patrimoine- Pavillon D’About – Cathédrale- 7 Avenue Albert de Mun- 75016 -Paris

• Le site : www.hirokokoshino.com

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Softbodies-extra, 2006-08 - Encre sur papier aquarelle - 25 x 25 cm - Collection publique

Du 11 septembre au 30 octobre 2010, la 3E RUE GALERIE-Marseille présente

Simone STOLL, exposition de dessins et vidéo

Après avoir passé quatre ans à Londres, trois ans à Berlin, six mois en Islande, puis quatorze ans à Marseille, Simone Stoll vit aujourd’hui entre Francfort, sa ville d’origine, et New York, sa nouvelle ville d’adoption. Dans cet entre-deux géographique, elle continue à étayer une œuvre dont le questionnement principal porte sur les ressorts intimes et les lieux corporels de l’identité. Ses expériences à l’étranger (simultanément expériences de l’étrangeté), la nécessité de s’ouvrir mentalement mais aussi physiquement à de nouveaux langages et de nouveaux codes afin de permettre l’échange entre soi et les autres, composent le vécu émotionnel, sensoriel et intellectuel auquel Simone Stoll se connecte pour « créer les images d’un état réceptif »1 de l’être, de l’être au féminin. Car, précise-t-elle, « ma compréhension de l’intime ne peut être que celle d’une femme »1. L’aveu est fait mais il doit être bien compris. Pour Simone Stoll, l’identité féminine n’est pas un combat des genres, c’est un constat, une réalité physique, constitutive, qu’il s’agit d’explorer au plus loin et au plus sensible pour se connaître soi-même. Le corps est pour elle une donnée inévitable, il est un médium intense d’expérimentation et de découverte du monde intérieur. Le monde extérieur, quant à lui, est soit aseptisé, soit considéré comme un ensemble archétypal de stimuli. C’est la pluie, le béton et le ciel gris dans la vidéo Rain, c’est un couloir d’hôtel, une plage de sable, ou un désert caillouteux dans la série des Walking, c’est un bruit d’eau dans Swim. Dans les séries de dessins intitulées Softbodies ou Vulnerables, c’est cette enveloppe de vide nécessaire à toute présence. Des présences organiques, fluides et fragiles, glabres et poilues, aux membranes délicatement tracées à l’encre et à l’aquarelle rouge, qui flottent sur un fond de papier laissé vierge. Des présences qui évoquent, sans pour autant les représenter, les organes génitaux de la femme. Lieu frontière où se sont déroulées les unions et les séparations principielles, lieu de l’échange et de l’identité en construction s’il en est. Même lorsque dans ses Loveletters, Simone Stoll réduit son geste artistique à produire une empreinte – celle des lèvres sexuelles – excluant par ce biais toute interprétation préalable et simulant le don de chair et de sang, ce qu’elle offre à notre vue, c’est un monde secret de plus, une confidence hermétique, apte à produire en chacun des images mentales de son soi profond, son soi singulier. A. K-C.

(1) Simone Stoll, Softbodies-extra, éditions la fabrique sensible, 2006

3E RUE GALERIE

WWW.3EMERUEGALERIE.COM
3EMERUEGALERIE@ORANGE.FR
+33 (0) 612 495 660

MARSEILLE (8e) – Le Corbusier, 280 bd Michelet
Ouvert du mercredi au samedi 10H-13H /15H30-19H30

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