Le Juste Debout est une rencontre internationale de danse hip hop, dites « debout » qui réunit plus de 2 500 danseurs, sélectionnés après une tournée internationale de deux mois. En 11 ans, l’événement s’est imposé comme le plus important spectacle de danse urbaine au monde et fait référence pour tous les professionnels de la danse, en France comme à l’étranger. C’est en 2008, pour sa 7ème rencontre, qu’il a fait son entrée dans l’enceinte mythique de Bercy.

Le Juste Debout Steez 2012 sera la 11ème édition avec au programme!:

• 15 nations représentées
• Plus de 140 danseurs sélectionnés à travers le monde
• 10h de spectacle non-stop
• 6 catégories de danse hip-hop! : expérimental, house, new style, locking, popping, top rock
• 1 jury de renommée internationale dans chacune des catégories

Sans oublier des rencontres d’un niveau exceptionnel, des shows inédits spécialement invités et bien d’autres surprises!!

L’évènement né de l’initiative de Bruce Ykanji, fondateur et danseur de renom, a pour vocation de récompenser aux termes de stages les meilleurs danseurs mondiaux dans différentes disciplines, et de faire danser tous les passionnés, qu’ils soient amateurs ou professionnels. La rencontre repose sur des valeurs d’échange, de partage et de convivialité, qui resteront sa marque de fabrique.

Aujourd’hui, le Juste Debout, c’est une finale prestigieuse au sein de la plus grande salle française, plus de 140 danseurs qui s’affrontent devant un jury international, 13 000 personnes qui viennent assister au spectacle, et des centaines de milliers d’internautes qui pourront désormais le suivre gratuitement en direct, puis en VOD, sur CANAL STREET. Au-delà de son succès prodigieux, l’événement est la preuve que la danse hiphop a gagné une place légitime sur la scène culturelle internationale.

La tournée de présélections mondiales de deux mois a débuté le 6 janvier dernier au Japon et passe par la Chine, Singapour, le Canada, la Suède, l’Espagne, la Finlande, les Pays Bas, l’Irlande, la Suisse, I’Italie, la Pologne, l’Angleterre, l’Allemagne, pour finir par la France le 10 mars prochain. Les vidéos sont à découvrir chaque semaine sur CANAL STREET: http://canalstreet.canalplus.fr/danse/juste-debout-steez-2012/. CANAL STREET retransmettra la compétition internationale de danse urbaine gratuitement et en direct le 11 mars prochain.

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A l’occasion des 25 ans du Béjart Ballet Lausanne, la compagnie présentera le Boléro, ainsi que deux ballets inédits à Paris : Aria et Dionysos. Soit 5 soirées exceptionnelles du 3 au 7 avril 2012 au Palais des Congrès de Paris. Cela fait 25 ans déjà que le Béjart Ballet Lausanne émerveille les spectateurs grâce à ses chorégraphies tout en richesse et profondeur. Pour célébrer son anniversaire, la compagnie propose des chorégraphies de Maurice Béjart revisitées, mais aussi une création originale de Gil Roman. Le Béjart Ballet Lausanne, dans les studios de Lausanne comme dans les principales salles de spectacle du monde, confirme chaque jour que la technique classique traduit les aspirations et les interrogations de l’époque, et que cette ouverture au monde, à l’écart des sentiers battus, peut susciter l’intérêt des plus larges publics. Un événement majeur !

• Aria   Chorégraphie : Gil Roman

Musique : extraits de JS Bach, Nine Inch Nails, Melponem, chants inuits – Compositions originales: Thierry Hochstätter & Jean‐Bruno Meier (Citypercussion)

Première création de Gil Roman après la disparition de Maurice Béjart, Aria met en scène le mythe du Minotaure.

Ce mythe est à l’image de la condition d’artiste, de sa situation labyrinthique interne : la tentative de fusion entre l’instinct et la raison, entre une danse libre, ouverte, et une danse classique, codifée.

• Dionysos (suite)   Chorégraphie : Maurice Béjart

Musique: Manos Hadjidakis

Dans une taverne grecque de nos jours, un Grec raconte le mythe de Dionysos, sa naissance miraculeuse et ses danses endiablées qui, de la Grèce, rejoignent le Moyen Orient sur la Route des Indes.

Un mythe actuel, moderne par sa violence et ce souffle de liberté qui l’anime. Eternel parce-que l’homme a besoin de cette ivresse dionysiaque pour retrouver le contact avec la grande Nature et ses forces vivantes, occultées par la pseudo-civilisation des lumières, cartésienne et scientiste.

• Boléro   Chorégraphie : Maurice Béjart

Musique: Maurice Ravel

Maurice Béjart précise en ces termes sa conception de l’oeuvre de Ravel: «Musique très connue et pourtant toujours nouvelle grâce à sa simplicité. Une mélodie – d’origine orientale et non espagnole – s’enroule inlassablement sur elle-même, va en augmentant de volume et d’intensité, dévorant l’espace sonore et engloutissant à la fin la mélodie».

Maurice Béjart confie le rôle central – la Mélodie – tantôt à une danseuse, tantôt à un danseur. Le Rythme est interprété par un groupe de danseurs.

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Une création chorégraphique de Frédérique Robert Avec Marjorie Cimpek, Francesca Saraullo, Julie Suchestow et Benoît Gauthier

Précédée du solo Zéro.

« Quand on regarde les pommes de Cézanne, on voit qu’il a peint merveilleusement le poids de l’espace sur cette forme circulaire. La forme elle-même est un volume creux, sur lequel la pression extérieure est telle qu’elle produit l’apparence d’une pomme, même si celle-ci n’existe pas vraiment. C’est la poussée rythmique de l’espace sur cette forme qui compte » Pablo Picasso

Frédérique Robert interroge obstinément le mouvement : sa matière élémentaire, sa poétique. A partir des notions de forces, de rythmes, de textures ou de sensations, cette nouvelle pièce joue des équivalences entre les langages. La recherche s’est appuyée sur les témoignages laissés par des auteurs, peintres et plasticiens autour des processus de créations.

 » je suis revenue sur mes pas et me tiens à présent sur le seuil. Ce moment, cet espace je le nomme Zéro. Zéro, comme la fin et le début de quelque chose… Zéro parce que c’est le point, le repère pour situer, quantifier, évaluer… Ici, nous l’écrivons 0. Forme ovale, délicatement close. Mais j’aime me rappeler qu’ailleurs, le nul, le néant, l’ensemble vide se dessinent autrement.  » Frédérique Robert

Centre Olivier-Messiaen

• 4, rue Proudhon
• 94500 Champigny-sur-Marne
• centrecultureloliviermessiaen.blogspot.com/

La variété française française est un monstre gluant - Captation vidéo de Marie Drach. Photographies de Matthieu Rousseau

« Giselle » représente l’apothéose du ballet romantique. Créé en 1841, son succès fut immédiat. « Giselle » aborde tous les thèmes du romantisme : couleur locale et pastorale amoureuse qui s’achève en tragédie, irruption d’un monde fantastique et rédemption par la force de l’amour.

Le rôle-titre de « Giselle » est l’un des plus difficiles du répertoire, exigeant de l’interprète, outre une maîtrise technique irréprochable, des qualités d’expression dramatique passant de la joie de vivre au désespoir, puis à la folie et à la passion. Chorégraphie tout à fait surprenante pour l’époque, elle frappe le public par la solidité de sa structure aussi bien dans les grands tableaux du corps de ballet que dans les soli.

Quant au Ballet Opéra National de Kiev, il a gravi d’un pas sûr les sommets de la maîtrise en complétant son répertoire des ballets les plus compliqués, classiques et modernes : « Spartacus », « Don Quichotte », « Roméo et Juliette »,  « Le Lac des Cygnes », « La Belle au bois dormant » et « Giselle » programmé en début 2012 à l’occasion d’une tournée internationale.

Au cours de son histoire ce sont des maîtres de ballet renommés qui le dirigent ou qui collaborent : S. Sergéev, P. Virsky, V. Vronsky… Le Ballet Opéra National de Kiev s’est vu décerner « l’étoile d’or », c’est-à-dire le meilleur ballet, au 2e festival mondial de danse à Paris. Il se produit maintenant sur les plus grandes scènes internationales, celles du Bolchoï à Moscou, de La Scala de Milan, du Metropolitan Opéra de New York…

GISELLE

• Ballet en 2 actes
• Musique par Adolphe Adam
• Chorégraphie de Jules Perrot et Marius Petipa
• Direction artistique de Victor Yaremenko

Avec les Etoiles du  Ballet Opéra National de Kiev  :

• Tatiana GOLIAKOVA
• Ekaterina KOUKHAR
• Alexandre STOYANOV
• Andrey GOURA

Date de programmation par Ville – 2012

Zénith de Paris

• Samedi 14 janvier 2012 20h30 
• Dimanche 15 janvier 15h

Zénith d’Amiens

•  Dimanche 29 janvier 15h30

Dôme Marseille

•  Dimanche 19 février 15h30
  

Bourse du Travail Lyon

• Vendredi 24 février 20h30
  

La Palestre Le Cannet

• Samedi 18 février 20h30
  

BEJART BALLET LAUSANNE

4 soirées Anniversaire du 3 au 06 avril 2012 au Palais des Congrès

A l’occasion des 25 ans du Béjart Ballet Lausanne, 4 soirées exceptionnelles se tiendront au Palais des Congrès de Paris, du 3 au 6 avril 2012. Pour célébrer cet anniversaire, 3 ballets majeurs de la compagnie seront présentés sur scène, dont les deux premiers totalement inédits à Paris. Joyeux anniversaire ! Le Béjart Ballet Lausanne, dans les studios de Lausanne comme dans les principales salles de spectacle du monde, confirme chaque jour que la technique classique traduit les aspirations et les interrogations de l’époque, et que cette ouverture au monde, à l’écart des sentiers battus, peut susciter l’intérêt des plus larges publics. Sachez que cette compagnie ultra célèbre fête ses 25 ans ! 25 ans déjà que le Béjart Ballet Lausanne émerveille les spectateurs grâce à ses chorégraphies tout en richesse et profondeur. Pour célébrer cet anniversaire, la compagnie propose des chorégraphies de Maurice Béjart revisitées mais aussi des créations originales de Gil Roman. En somme, trois ballets seront présentés : Boléro, et pour la première fois à Paris Aria et Dionysos. Un événement majeur ! Réservez vos places sur la Fnac

Aria   Chorégraphie : Gil Roman

Musique : extraits de JS Bach, Nine Inch Nails, Melponem, chants inuits – Compositions originales: Thierry Hochstätter & Jean‐Bruno Meier (Citypercussion). Première création de Gil Roman après la disparition de Maurice Béjart, Aria met en scène le mythe du Minotaure. Ce mythe est à l’image de la condition d’artiste, de sa situation labyrinthique interne : la tentative de fusion entre l’instinct et la raison, entre une danse libre, ouverte, et une danse classique, codifée.

Dionysos (suite)   Chorégraphie : Maurice Béjart

Musique: Manos Hadjidakis

Dans une taverne grecque de nos jours, un Grec raconte le mythe de Dionysos, sa naissance miraculeuse et ses danses endiablées qui, de la Grèce, rejoignent le Moyen Orient sur la Route des Indes.

Un mythe actuel, moderne par sa violence et ce souffle de liberté qui l’anime. Eternel parce-que l’homme a besoin de cette ivresse dionysiaque pour retrouver le contact avec la grande Nature et ses forces vivantes, occultées par la pseudo-civilisation des lumières, cartésienne et scientiste.

Boléro   Chorégraphie : Maurice Béjart

Musique: Maurice Ravel

Maurice Béjart précise en ces termes sa conception de l’oeuvre de Ravel: «Musique très connue et pourtant toujours nouvelle grâce à sa simplicité. Une mélodie – d’origine orientale et non espagnole – s’enroule inlassablement sur elle-même, va en augmentant de volume et d’intensité, dévorant l’espace sonore et engloutissant à la fin la mélodie».

Maurice Béjart confie le rôle central – la Mélodie – tantôt à une danseuse, tantôt à un danseur. Le Rythme est interprété par un groupe de danseurs.

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Le Lundi 30 Mai 2011, le Lido fêtera la 5000ème représentation de la revue Bonheur, à l’affiche du célèbre cabaret de l’avenue des Champs Elysées depuis Décembre 2003. Depuis sa création, la revue Bonheur, créée et mise en scène par Pierre Rambert, est une avalanche de strass, de glamour, d’élégance et de chiffres vertigineux : 70 artistes sur scène, 600 costumes, 23 décors, 150 000 perles et paillettes, 90 projecteurs, 60 000 cristaux Swarovski, 500 paires de chaussures sur mesure … et les célèbres Bluebell Girls du Lido !

Le Lido a accueilli durant près de sept ans plus de 4 millions de spectateurs, les stars internationales les plus prestigieuses, les grandes sociétés françaises, et des clients venus du monde entier pour assister à une représentation de la revue Bonheur.

Le Lido est aujourd’hui un lieu mythique incontournable dont les Bluebell Girls sont le joyau, et l’infractructure, l’assurance de possibilités techniques incomparables. Mais ce qui fait, avant tout, la valeur du Lido, c’est la passion et le professionnalisme de chacun au service du plus beau cabaret du monde. De nombreux métiers, artisanats et savoir-faire y sont représentés, pour que chaque soir le rideau se lève.

L’excellence s’aquiert au prix de la perfection, du travail et de l’attachement au service du client. De la salle à la scène, en passant par les coulisses et les cuisines, le Lido est une famille du spectacle fière de son histoire et de sa perpétuité.

LE “BONHEUR “ SANS COMPTER : 3 MILLIONS D’EUROS POUR 600 COSTUMES

Des robes dans la tradition de la haute couture comme pour un défilé Dior ou Chanel ! Des chapeaux – chefs-d’oeuvre à la Cecil Beaton, les plumes de Chanteclerc dans le panache des femmes -oiseaux, des broderies main à fleur de peau pour les six cents costumes de la revue la plus magnifiquement déshabillée du monde: la revue “Bonheur” qui entre en scène en décembre 2003.

Le Lido n’en est pas à une contradiction près. Nu élégantissime et costumes somptueux. Pour femmes fatales, femmes -fleurs et femmes-chats, femmes araignées et femmes-bijoux, maharanés, déesses, danseuses sacrées et sacrées stars en hommage au cinéma. A Chaplin, Fellini, Marilyn,… Mieux qu’un spectacle, tout un voyage d’émotions qui accrochent la lumière et le rêve.

Débauche de luxe et d’effets spéciaux sous les 100.000 volts des projecteurs. Les éventails de plumes se déplient sur 1 m 85 d’envergure. La divine Diva descend d’avion sous un ciel étoilé de mille fibres optiques. Les toits de Paris sont livrés aux chats, ses vitrines à un défilé “couture”.

Hommage à l’Inde, le 3° tableau – 15 minutes 55 de magie -, voit se succéder, un temple qui tourne sur lui-même, un palais, un cheval à sept têtes qui crachent l’eau d’où naît l’arc – en – ciel, un bassin aux fleurs de lotus. Plein les yeux et bonheur total!

Tous les cinq ans, le Lido change de spectacle. Après la magie, le “Bonheur”. Pour sa 26° revue, la première du 3 ème millénaire, place aux plus grands. A l’affiche Hippolyte et Yann Romain qui succèdent à René Gruau. Jean-Claude Petit a composé la musique. Fabrice Kebour dompté les lumières. Les grands du théâtre – Charlie Mangel et Arnaud de Segonzac – ont inventé les décors. Pour allumer des étoiles dans les yeux des spectateurs, le Lido a fait appel aux plus grands artisans du costume et aux fournisseurs de la haute couture.

LE CABARET

Il y a très longtemps, on appelait aussi cabaret un plat à compartiments réservé aux salades. Sa disposition permettait de juxtaposer les couleurs et les saveurs. Merveilleuse trouvaille qui définit finalement fort bien cet établissement hors du commun qu’est le Lido. Encore que celui-ci soit également un parfait résumé de ce que fut le cabaret au fil du temps. Dès le XVe siècle, les poètes et les artistes s’y retrouvaient pour boire et discuter. Mais ce n’est qu’au XIXème qu’il devient populaire. On y mange, on y boit, on y chante d’autant plus que la chanson est souvent le seul moyen pour le peuple de commenter l’actualité, l’écrit, journaux ou livres, étant réservé à ceux, bourgeois et aristocrates, qui ont de l’instruction. Un commerçant en vin, Rodolphe Salis, crée, en 1881, le premier cabaret tel que nous l’entendons. Son «Chat noir», situé dans la capitale, à Montmartre, connaît aussitôt un immense succès. Comme le Lido aujourd’hui, il accueille inconnus et célébrités tels Maupassant ou Debussy. Au point que le modèle, mélange de plaisir et d’expression culturelle, se répand dans l’Europe entière. C’est dans un établissement de ce type, «le Voltaire», rendez-vous d’artistes, que se forme, en Suisse, sous la première guerre mondiale, le mouvement dadaïste. L’Amérique, elle, devra attendre 1918, la prohibition aidant, pour connaître des établissements du même genre. Pour une fois l’Europe est en avance sur l’Amérique! Privilège qu’aujourd’hui encore, elle conserve grâce au Lido.

Un peu d’Histoire :

Finalement l’opération Paris Plage a commencé au Lido en…1928. On le doit à Edouard Chaux dont l’histoire n’a guère retenu le nom. Pourtant cet homme a eu l’idée de construire une piscine souterraine dans un immeuble très chic des Champs- Elysées et de la baptiser Lido en souvenir de la plage de Venise. L’endroit devint vite à la mode. Là alors, parmi les marbres et sous les ors, sur le coup de minuit, les smokings, les habits et les robes longues se retrouvent et regardent quelques naïades se baigner dans de l’eau couleur de la mer. Des canaux, où flottent des gondoles, serpentent entre les tables. On y écoute du jazz, on y prend un verre, on n’y dîne pas, on s’isole dans des cabines boudoirs. Paris se presse. Mais Paris se lasse. Il déserte. Et cette grève-là fait faillite en 1933.

Trois ans plus tard, Léon Volterra, propriétaire de plusieurs théâtres et d’une écurie de courses renommée, s’y intéresse. Il se moque de la piscine, il la comble et transforme le tout en une salle de spectacle immense et vite célèbre par les multiples colonnes qui soutiennent tout l’immeuble. A nouveau Paris vient en foule. La France et le monde suivent le mouvement. C’est un triomphe. Mais la guerre vint… Celle-ci enfin finie, le Lido retrouve sa vie ordinaire, c’est-à-dire brillante, sous l’impulsion des frères Clerico qui l’ont racheté à Léon Volterra en 1946. Une fois encore, le Lido est transformé : il est luxueusement décoré et plein d’idées nouvelles. Chaque revue est d’autant plus un succès que les attractions sont de grande qualité. Surtout ils créent la formule du dîner spectacle qui sera copiée dans le monde entier. En 1947, le cabaret accueille même Laurel et Hardy pour la seule fois où les comiques américains se produisirent en France. Peu à peu, la renommée du Lido devient mondiale. Au point qu’en 1958, une réplique de sa revue fut montée à Las Vegas. Le contrat était prévu pour six mois. Il fut prolongé pendant… trente-deux ans.

C’est en 1977 que le nouveau Lido vit le jour. Il déménagea du 78 Champs Elysées au 116 bis. Il était plus grand, plus beau, plus luxueux mais l’esprit resta identique. De même que les surprises qui ont toujours marqué l’histoire de cet établissement. Ainsi aujourd’hui sa scène est juste derrière l’ écran du cinéma Normandie. Et si quelqu’un pouvait passer d’un côté du mur à l’autre, d’un seul mouvement il verrait les beautés des Bluebells et suivrait les aventures de Mickey.

LA SALLE

Joseph Clerico était agacé. Lui qui, comme son frère, passait ses jours et ses nuits dans son cabaret, lui qui, chaque soir, assistait au spectacle à la même table située à la sortie des cuisines, oui lui était désespéré : certains spectateurs voyaient mal, leur regard étant au niveau de la scène. C’était indigne de son cher Lido. Soudain, il eut une idée : puisqu’il était impossible de surélever la scène, il suffisait de baisser le public ! On ergota mais il n’était pas question de discuter une suggestion du patron. C’est ainsi que le spectacle du Lido, désormais installé au 116 bis Champs-Elysées, fut parfaitement visible par tous. Cette fois le cabaret était vraiment la plus belle salle de spectacle du monde. Aujourd’hui encore, quelques établissements de Las Vegas seulement peuvent rivaliser avec elle par le nombre de spectateurs. Depuis sa construction, elle n’a guère changé, chaque année apportant simplement son lot d’améliorations sans modifier l’essentiel. Seules ses couleurs ont été modifiées : turquoise et marron à l’origine, elles sont, depuis des années, rouge et gris. A l’occasion de la nouvelle revue, le couloir a toutefois été transformé, décoré désormais par Olivier Gagnere, le créateur du Café Marly à Paris. Le logo du Lido lui aussi a fait peau neuve : plus élégant, plus moderne, passant du bleu et or au noir et jaune, il est l’oeuvre d’un jeune graphiste, Timothée Miltat. De même, le site internet a été entièrement remanié par l’équipe de Reflexgroup. C’est que le Lido reste fidèle à sa ligne de conduite : innover sans bouleverser, surprendre sans scandaliser, inventer et garder la tradition. Il a choisi une fois pour toutes de mettre son imagination au service du spectacle plutôt qu’à des changements d’apparence. Bref, il préférera toujours le jugement du public au dictât de la mode.

LES COULISSES

On appelle ça «le porte-avions». Personne ne sait qui a lancé l’expression, ni pourquoi, mais chacun l’utilise. Le terme désigne le procédé qui permet à la scène, à la piscine, à la piste de patinage et aux différents décors de monter et de descendre puis de se ranger automatiquement dans des tiroirs géants de la même manière qu’on dispose les appareils dans un porte-avions. Tel est l’un des secrets des coulisses du Lido qui en recèle bien d’autres. Car le cabaret, comme tout théâtre, a d’abord un problème de place en dépit de son immensité : 7500 mètres carrés, une hauteur de six étages de la scène au plafond. Alors, on a multiplié les astuces pour que le spectacle se déroule sans heurts et que les multiples changements de décors – un toutes les quatre minutes – et de costumes n’entraînent pas la plus petite erreur. Chaque soir, chacun est à son poste. Y compris les 30 techniciens, et la vigie qui dans un minuscule poste surplombant la salle surveille tout, prête à intervenir au moindre incident. Que la technologie se révèle défaillante, et de la musique est aussitôt envoyée. Pratique qui, dans le jargon lidoesque, se nomme «un Versailles», terme là encore dont nul ne connaît l’origine.

Visiter ces coulisses est comme découvrir un village. On y trouve, entre autres, un salon de coiffure, une infirmerie et même une salle de gymnastique. Seul endroit qui n’existe pas dans une bourgade : les loges des girls. Chacune y entasse ce qu’elle veut. Parfois, dans ce capharnaüm où se mélangent produits de beauté, tubes de maquillage, bouteille d’eau et photos de petit ami, trône un gros nounours. Les Bluebell Girls ont gardé une âme d’enfant…

LE PUBLIC

Si les hommes politiques avaient quelque jugeote, ils sauraient que le Lido constitue un excellent baromètre pour mesurer l’évolution du monde. Rien que la structure de son public traduit les changements. Ainsi sur les quelques 500 000 spectateurs annuels, si 55% environ sont Français et 20% Européens, 10% viennent d’Amérique, surtout du sud de ce continent, et un pourcentage identique provient d’Asie. Le solde (5%) émane du reste de la planète. Le plaisir du public a évidemment un prix. Il est élevé : chaque revue coûte environ neuf millions d’euros et n’est amortie qu’au bout de quatre ans.

La renommée du Lido est telle que le cabaret doit organiser, pour répondre à la demande, des soirées spéciales. Depuis sa création, sans compter les premières prestigieuses, il a ainsi accueilli des défilés de mode, des galas de charité, et les shows des chanteurs les plus célèbres comme Franck Sinatra ou Elton John. Et lorsqu’en 1998, les Français furent champions du monde de football, ils réclamèrent le Lido pour fêter leur victoire.

Mais la plus sympathique de ces manifestations particulières est celle qui, au mois de Noël, est réservée aux enfants. Là encore, comme le Lido est une famille, l’idée est venue du personnel. A force de parler de son travail à sa famille, il a décidé d’organiser un petit spectacle pour ses petits. Avec une seule règle : l’utilisation des véritables costumes et décors. La représentation a eu un tel succès qu’il a été décidé de l’ouvrir à tous. Depuis 1996, 30 000 enfants ont été, chaque année, les hôtes du Lido. C’est le seul moment où les yeux des parents ressemblent à ceux des bambins : les uns et les autres regardent émerveillés.

LES COSTUMES

Il faut emprunter des passerelles, monter quelques escaliers plutôt raides, se perdre dans des dédales avant d’y arriver. Là, dans une petite pièce, vous découvrez la caverne des merveilles : des paillettes, des plumes, des strass, des dentelles, des satins, des bottines, des cuirs, des bijoux, des centaines de perles et de boutons. Douze couturières, dirigées par Denise Guitton, veillent sur ces trésors. Ce sont les ravaudeuses du Lido. Leur mission est de tenir les costumes en parfait état. Leur tâche est délicate et essentielle puisqu’à raison de deux spectacles par jour et de cinq ans pour une revue, les risques d’incident sont nombreux. D’autant plus que chaque danseur et danseuse change de costume entre vingt et trente fois par représentation. Et que certains changements doivent être réalisés en moins d’une minute : les vingt-quatre habilleuses n’ont guère le temps de souffler..

Alors quotidiennement Denise et ses compagnes piquent et cousent. Elles ont un impératif : les costumes doivent être aussi élégants et étincelants au dernier jour qu’au premier. Car ils participent, comme le reste, au rêve d’une soirée au Lido. Encore que le rêve soit déjà dans les coulisses. Les costumes sont si nombreux – plus de six cents ! – qu’on les rencontre dans tout le théâtre. Dès qu’un endroit est libre, on y installe une robe, un déshabillé, un fourreau. Plus loin, des centaines de chaussures et des dizaines de perruques montent aussi la garde. Ces parures, alignées comme à la parade, taraudent l’imagination et réveillent la mémoire. Elles jouent le rôle de la petite madeleine pour Marcel Proust. Tout à coup revient, intact, le souvenir des émotions et le bonheur du spectacle.

LA CUISINE

Ce petit bruit est connu dans le monde entier. Il est sec, joyeux, il retentit comme un pétard. Un bouchon de champagne qui saute et c’est une fête qui s’annonce. Au Lido, ce bruit-là résonne huit cents fois par soir. Soit 292 000 bouteilles par an, ce qui en fait le premier établissement mondial consommateur de champagne ! Servies par la centaine d’hommes en noir -les maîtres d’hôtel, les chefs de rang, et les commis, dont les tenues ont été créées par Franck Boclet pour Francesco Smalto- au service de quelques neuf cents dîneurs. Dans les cuisines, immense caverne d’où deux rampes en pente douce partent vers la salle, d’autres hommes en blanc, mais en toque, officient. C’est la brigade des trente-cinq cuisiniers et pâtissiers qui travaillent sous les ordres du chef Philippe Lacroix.

Philippe Lacroix veille au goût et à la qualité des produits dont il vérifie scrupuleusement l’origine. Il entend que le poulet soit de Bresse et que le saumon ait gardé la fraîcheur de ses eaux d’origine. Il tient également à ce que les menus varient en fonction des saisons. Et il met un point d’honneur à ce que le menu spécial du 31 décembre ne soit jamais, d’une année à l’autre, ni tout à fait le même, ni tout à fait un autre.

En tous cas, la cuisine servie au Lido a acquis une telle réputation que les chefs des chefs d’État ont souhaité y tenir, en août 2003, leur rencontre annuelle. Ce soir-là, on vit ainsi dîner aux Champs-Elysées sinon Chirac, Bush, Blair et Poutine, du moins leurs maîtres-queux.

• Le site du Lido : http://www.lido.fr/

Comment déplacer votre regard, vous emporter vers un ailleurs, voir la danse différemment avec d’autres formes, d’autres rencontres artistiques … attacher vos ceintures… Cette 2ème édition du festival JET LAG donne carte blanche à deux chorégraphes, Anne Nguyen et Orin Camus, qui à leur tour, invitent d’autres artistes à venir présenter leur travail.

• du 4 au 7 mai CARTE BLANCHE À ANNE NGUYEN
• du 11 au 14 mai CARTE BLANCHE À ORIN CAMUS

du 11 au 14 mai :

EXPOSITION DANS LE HALL DU THÉÂTRE : LINE – Installation photographique de Ji-Hyé Jung, dans le hall de L’étoile du nord.

Carte blanche à  Anne Nguyen

Yonder woman chorégraphie Anne Nguyen Yonder Woman est une réflexion sur la femme, sur l’archétype du super-héros face au monde moderne, sur la définition de liberté et d’aventure, sur les possibilités de relation entre personnes dans un monde ultra-compétitif. Yonder : là (-bas). A un endroit indiqué, généralement à l’intérieur du champ de vision.

Anne Nguyen nous plonge dans un univers féminin décalé. Bintou Dembélé construit un « chez soi » où résonne l’absence d’héritage féminin. Magali Duclos utilise l’objet pour conjurer le vide et la solitude. L’univers au sein duquel ces danseuses ont conçu leurs différents équilibres nous est dépeint par la réalisatrice Keira Maameri. Anne Nguyen nous propose aussi des « performances autour de la notion de performance », avec un Parcours du Super-Héros, forme de battle détournée.
La scène sera ouverte à de courts solos ou duos féminins sélectionnés sur audition. Enfin, nous rencontrerons une autre pensée du hip-hop, celle des Pays-Bas, grâce aux interventions de la danseuse Aruna Vermeulen et de son HipHopHuis. En parallèle, nous découvrirons des textes d’Anne Nguyen, partagés avec la slammeuse Marie Martias ou encore avec le danseur Orin Camus…

Avec le soutien de l’Ambassade du Royaume des Pays-Bas.

DÉROULEMENT DES SOIRÉES

• MERCREDI 4 MAI À 20H30

Découverte de solos et duos au féminin : PARCOURS DU SUPER-HÉROS, MON APPART’ EN DIT LONG…, YONDER WOMAN

• JEUDI 5 MAI À 20H30

Découverte de solos et duos au féminin : PARCOURS DU SUPER-HÉROS, MON APPART’ EN DIT LONG…, YONDER WOMAN

• VENDREDI 6 MAI À 14H30 : YONDER WOMAN

• VENDREDI 6 MAI À 20H30

Découverte de solos et duos au féminin : PARCOURS DU SUPER-HÉROS, LÀ-HAUT, YONDER WOMAN

• SAMEDI 7 MAI À 18H30 : ON S’ACCROCHE À NOS RÊVES

• SAMEDI 7 MAI À 20H30

Découverte de solos et duos au féminin : PARCOURS DU SUPER-HÉROS, LÀ-HAUT, YONDER WOMAN

PARCOURS DU SUPER-HÉROS

Le Parcours du Super-Héros est une performance mettant en perspective le spectacle Yonder Woman, expérience pour deux femmes super-héros. Construite sur des principes simples, entre jeu, compétition et parcours du combattant, le Parcours du super-héros est un parcours chorégraphique au sein duquel les interprètes, suivant des directives très simples permettant l’improvisation, pourront changer à chaque représentation. Chaque soir, quatre danseurs, sélectionnés parmi les stagiaires pour participer à cette forme originale de battle, sont mis en concurrence pour le titre de « Super-Héros ». Ils passent plusieurs épreuves dansées, où leurs différentes capacités sont testées sous l’oeil du public, qui choisit lui-même le vainqueur.

Les autres stagiaires aident au passage des épreuves et à la mise en scène, à travers différentes improvisations sous contraintes.

MON APPART’ EN DIT LONG

Cette pièce illustre la mise en oeuvre d’un nouveau processus de création pour moi. C’est une mise en abyme, un autoportrait qui transite par le lieu de repli, d’accueil, entre l’intime et le monde qu’est le lieu d’habitation. Le titre préfigure l’intimité vers laquelle je conduis le spectateur.

Comme une urgence de dire, je m’exprime par des états de corps. Ma danse faite de petites boucles qui se répètent, s’amplifient, se confondent, dépasse tout formalisme, pour aller vers un spectacle sans étiquette.

Le mouvement dévoile des atmosphères, tantôt nourri d’une énergie hip hop expérimentale, tantôt par une gestuelle délicatement borderline…

C’est aussi l’histoire d’un corps face à son héritage culturel, à différents moments d’une vie. Cela donne à vivre « des images » émergeant de celui-ci. Les choix musicaux sont éclectiques. On glisse d’un univers électro à un abstract hip hop, le tout tenu par un fil sonore qui relie les éléments à de la musique dite accumulatrice, minimale. C’est en tentant de préserver à la fois mon instinct et l’écoute de mon intériorité que je me risque dans cette pièce.

YONDER WOMAN

L’espace se referme sur deux femmes, prises au piège comme dans une cage à rats. Elles avancent, déterminées, dans un jeu de dépassements, de contacts, de tensions. Un regard semble peser sur elles… Conçu comme une expérience scientifique dont le public serait l’observateur, ou l’initiateur, Yonder Woman interroge les notions d’expectation et de performance. Une mise en perspectives de la femme, et de l’existence moderne.

Yonder : là (-bas). A un endroit indiqué, généralement à l’intérieur du champ de vision. Implique une notion de distance. L’objet peut aussi être proche, mais invisible, comme par exemple dans la pièce d’à-côté.

« L’une des caractéristiques de l’homme moderne est d’être facilement observable par la multitude, grâce aux empreintes qu’il laisse sur les innombrables rétines et appareils enregistreurs. Sa personnalité se construit à travers la conscience de son image, qu’il estime et compare grâce à des modèles, tels que celui du « super-héros ». C’est à ce rang que nos deux femmes, modernes, intègres, se voulant exemplaires, ont idéalement tendu de toutes leurs forces. Acceptant ainsi implicitement que leurs grandes actions soient examinées, jugées, sublimées. Pour elles, la cage de scène se transforme en un lieu de test ultime… Tels des cobayes volontaires, elles se soumettent à l’épreuve, sous l’oeil omniprésent du spectateur.

Equipées de vestes de tailleur et de bonnets, nos deux femmes avancent, déterminées à affronter les embuches qui se dresseraient sur leur chemin. Elles tendent instinctivement vers un but, à l’image de tous les super-héros. L’espace, tel un plateau de jeu de société qu’elles seules devinent, et dont elles semblent être les pions, les guide. Vers quel accomplissement pourraient-elles tendre ?

Je suis l’une de ces deux femmes super-héros sur scène. L’autre, c’est Valentine, celle avec qui j’ai rivalisé dans tant de battles*. Comme moi, elle tourne sur la tête. Comme moi, elle est eurasienne. On nous confond souvent. On aime à nous comparer, à nous mettre en compétition. On attend de nous la performance, de la combativité. C’est peut-être la conscience de cette même attente qui forme les caractères de la plupart d’entre nous, hommes et femmes attachés à la logique de la productivité. J’ai voulu plonger les corps des danseuses dans l’atmosphère pesante de l’expectation, afin de les amener à révéler les tensions intérieures qui en résultent, pour ensuite mieux les en libérer. »

*battle (défi) : duel dansé

LÀ-HAUT

Elle est à présent seule, mais refuse l’absence de l’autre. Il est parti, et pour toujours.

Comment vivre et accepter qu’il soit parti sans la prévenir, sans lui demander son avis. Elle se crée un imaginaire où la passé serait présent, où tout serait comme avant.

Torturé par la solitude, elle invente un présent nourri du passé, s’invente des histoires, elle se dit :

« Non rien n’est triste… dansons…

Comme avant, comme demain, comme toujours.

Je te vois, je te sens, je t’entends

Tu es là, à côté de moi

Juste ça, et je suis bien. Je t’aime. »

« Ce solo évoque la mort et l’absence et aborde la question du « comment vivre » avec cette absence. Ce solo tout public est particulièrement adapté au jeune public par le sujet qui lui est familier. Il s’agit de traiter de ces graves sujets que sont la mort et l’absence par le biais d’habiles états de jeux et par l’intermédiaire d’un théâtre d’objets. Ce jeu, s’il incarne la mort telle quelle, ne donne pas pour autant une vision triste et pessimiste de l’absence puisque l’accent est mis sur l’apprentissage d’une existence, plus forte, consciente de la mort et à la fois plus réelle et plus joyeuse.

Ainsi, sans ignorer ni minimiser l’importance et la violence de la mort, il s’agit de sublimer, transformer et recréer l’absence, et ce, concrètement, par un jeu chorégraphique ou cette absence deviendra visible.
Cette problématique est au coeur des préoccupations de tout être et chaque enfant a pu connaître cette solitude qui accompagne l’absence.

En effet, dès l’enfance, nous sommes tous confrontés à la perte et à l’absence qui s’ensuit, c’est pourquoi il me semble si important de l’aborder en livrant un regard poétique et ludique.

Le mélange entre danse, manipulation d’objets et texte, se propose de sonder les différentes façons d’exprimer, de rendre physiquement concret, ce qui est devenu invisible. Tenter d’habiter l’espace désormais vide avec tout objet qui, révélant l’absent nous en restituent la présence. »

ON S’ACCROCHE À NOS RÊVES

2DLC productions

On s’accroche à nos rêves retrace l’histoire de quatre femmes et de leur passion commune : le Hip-Hop. Intégration, épreuves mais aussi joie et accomplissement traduisent leur parcours plutôt atypique.

Ce documentaire réunit 4 représentantes du mouvement Hip-Hop : Lady Alézia (graffiti), Dj Pom (deejaying), Magali (danse) et Princess Aniès (rap). Elles témoignent de leur position en qualité d’artiste-femme dans le mouvement. De leur début à la réalisation de leur ambition artistique, le documentaire retrace leur parcours. Dans un contexte particulier à chaque expression Hip Hop, les B-girls relatent ainsi leur passion naissante, leur travail, les critiques, les encouragements et leur motivation toujours renouvelée. Au rythme d’un chassé-croisé entre les différents témoignages, la mise en image des quatre protagonistes en action vient illustrer leur propos. L’univers artistique de chacune d’entre elles est dès lors porteur de sens esthétique et social. Il s’affirme comme un élément indiscutable de la sphère Hip Hop pourtant majoritairement masculine. Que ce soient les moments d’entraînement ou d’exposition finale, l’exercice créatif rend compte de leur raison d’être femme parmi les Hommes.

L’étoile du Nord

• 16, rue Georgette Agutte – 75018 Paris
  Tél : 01 42 26 47 47 – Fax : 01 42 26 63 98
  Mail : contact@etoiledunord-theatre.com
  Site : www.etoiledunord-theatre.com

LA DANSE PETE SON CÂBLE !

Qui n’a pas envie de connaitre les coulisses du monde de la danse ? Chloé vous invite à son spectacle pour des confidences croustillantes.

Chloé Maginot, 1m58 et xkg, a suivi des cours de danse classique depuis son plus jeune âge. Après être sortie 1ère de sa promotion à l’école supérieure de danse Rosella Hightower, elle représentera la France au Prix de Lausanne et en sortira quart de finaliste. Malgré les contrats internationaux qui lui seront proposés, c’est un autre parcours qu’elle choisira. Sans quitter la scène pour autant, elle écrira au côté de Guillaume Meurice un one-woman-show la danse pète son câble! qui réunira ses deux passions : la danse et l’humour.

Avec La danse pète son câble!, Chloé Maginot vous fera découvrir le quotidien d’une princesse de la danse. Vous côtoierez son entourage à travers des chorégraphies et des sketchs pétillants.

Les dates :

• Du 4 au 13 février 2011 –théâtre du Port –Nice
• 22 février 2011 –Théâtre Montmartre Galabru-Paris
• Du 3 au 6 mars 2011 –théâtre San Angelo –Bastia
• Du 2 avril au 1ermai 2011 –théâtre du Bocal –Nice
• Du 3 au 12 juin 2011 -théâtre du Port –Nice

Tarif : 15€

Théâtre Montmartre Galabru

• 4 rue de l’Armée d’Orient
• 75018 Paris

Regarder :

Créé en 1999 à l’Etoile du Nord avec le soutien de la SACD, Faits d’hiver – danses d’auteurs a pris son autonomie en 2002, en multipliant ses aides institutionnelles. Le festival affiche sa priorité d’un soutien aux compagnies programmées en adaptant chaque proposition artistique aux divers lieux de diffusion. Afin de rendre plus accessible la danse sur le territoire parisien, le pari affirmé d’année en année est double :

- réintroduire une diffusion de la danse dans les arrondissements,

- offrir aux compagnies des lieux de travail et des liens avec le public des amateurs.

En cela, les studios micadanses sont devenus l’un des lieux de référence du festival.

Faits d’hiver 13ème édition

12 Chorégraphes

• Mille Plateaux Associés
  
• (Geisha Fontaine et Pierre Cottreau)
• Perrine Valli
• Bruno Sajous
• Satchie Noro
• Samuel Mathieu
• Prue Lang
• Carlotta Ikeda / Pascal Quignard
• Orin Camus
• Anthony Egéa
• Vincent Dupont
• Julie Dossavi

7 Lieux

• MPAA / Auditorium Saint-Germain
  
• Mains d’œuvres
  
• micadanses
  
• Théâtre Paris-Villette
  
• L’étoile du nord
  
• WIP Villette
  
• Théâtre de la Cité internationale

• 27 & 28 – 21:00, le 29 jan -19:30

Carlotta Ikeda/Pascal Quignard

Medea Création

Théâtre Paris-Villette

• 31 jan & 1er fév- 19:00

Orin Camus

Circle Mood Création

WIP Villette

• 31 jan & 1er fév- 21:00

Anthony Egéa

Clash

WIP Villette

• 3 / 4 / 5 fév – 19:30

Vincent Dupont

Hauts cris (miniature)

Théâtre de la Cité internationale

• 7 & 8 fév – 20:30

Julie Dossavi

Grand-père n’aime pas le swing Création

micadanses

• 10 & 11 fév – 20:00

Vincent Dupont

Incantus

Théâtre de la Cité internationale

• Réservations : http://www.faitsdhiver.com/fdh_resa.php

Regarder :